Realisme er en kunststil som fokuserer på å få stykker til å se så realistiske og naturtro ut som mulig.
Tenk på realistiske portretter, landskap og stillebenmalerier. Dette er alle former for realisme som har som mål å fange motivet i en realistisk stil, og muligens å fremstille motivet på en måte som fanger livets realiteter.
Mens emnene noen ganger kan virke noe stiliserte, søker realisme å presentere emner slik de ser ut i det virkelige liv.
For noen gode eksempler på realisme, sjekk ut artister som Gustave Courbet, Winslow Homer, Édouard Manet og Rembrandt.
Det er en populær stil og en som enten blir avvist (hvorfor få noe til å se ut som det gjør i det virkelige liv i stedet for å gjøre noe originalt?) eller hyllet som «god» kunst (wow, det ser så ekte ut! Du er en så god kunstner. )
Men realisme er ofte lærestedet for kunstnere uansett medium siden øver fra livet er nøkkelen til å bli virkelig dyktig.
Hvorfor kunstnere studerer realisme
I digital kunst bruker vi mye tid på å lage fantastiske verdener, skapninger og karakterer. Med andre ord, vi er i praksis med å skape ting som ikke eksisterer.
Så hvorfor er det viktig for konseptkunstnere, digitale kunstnere og ALLE kunstnere å studere realisme?
Du har sikkert hørt det gamle ordtaket om at du må lære deg reglene slik at du kan bryte dem, og dette gjelder absolutt her.
Når du har mestret å kopiere ting fra livet, kan du begynne å leke med dem. Etter hvert som du blir bedre, lærer du å jobbe raskere og vil kanskje legge merke til at linjene dine blir strammere og at formene legger seg raskere.
Alt dette kommer fra å praktisere det essensielle ved kunst.
Men det tar tid og øvelse å vite og internalisere hva disse vesentlige er.
Når du begynner å lære å tegne eller begynner på kurs på en kunstskole, vil du stort sett alltid begynne med å lære realisme eller ved å kopiere noe du ser.
Dette er fordi det er mye vanskeligere å tegne noe fra hodet enn noe som er rett foran deg.
Også å lære å tegne emner realistisk, som menneskekroppen, hjelper deg å lære å stilisere dem senere.
Tenk på en kunstner du liker som tegner figurer i sin egen stil. Stilen deres kan se enkel ut, men den viser sannsynligvis et høyt nivå av forståelse av menneskelig anatomi.
Selv om formen er sterkt redusert eller sterkt overdrevet, legger kunstneren sannsynligvis ikke til muskler og bein på steder der de faktisk ikke eksisterer – med mindre de skaper en ny skapning, men selv da er det fortsatt med vilje med kunnskap om anatomiske detaljer.
Realisme handler om å holde seg til den grunnleggende, realistiske formen og få den til å fungere først.
Det er som å bygge et hus. Du kommer til å ønske å legge et grunnlag og bygge solide vegger før du tenker på tepper, malingsfarger og dørknappstiler.
Mye å være en god artist er utvikle tekniske ferdigheter og det er ingen bedre måte å gjøre det på enn ved å studere og praktisere realisme.
Dette er kanskje ikke det du vil høre, spesielt hvis du bare begynner på konseptkunst. Du vil sannsynligvis begynne å lage fantastiske kunstverk, utvikle stilen din, lære de beste maleprogrammene og lage kunsten du vil lage.
Men å gjøre det vi vil du må vite hva du gjør. For å bli god på noe må du mestre det grunnleggende først.
Det er derfor dansere starter med klassisk ballett, hvorfor store musikere lærer klassisk musikk, hvorfor pianister starter med skalaer, og hvorfor artister starter med å lære å tegne realistisk.
Mange artister velger å holde fast ved realismen og alt arbeidet deres følger en realistisk stil. Det er helt greit, og du vil se disse stykkene på museer over hele verden.
Men enhver kunstner bør bruke tid på å jobbe med realistiske stykker. Dette vil hjelpe deg å lære å se riktig og til slutt hjelpe deg med å utvikle en stil basert på den virkelige verden.
Realisme i konseptkunst og illustrasjon
All stilisert kunst er i det minste noe basert på virkeligheten. Fantasilandskap og bygninger har mye til felles med ekte landskap og bygninger, mens stiliserte humanoide karakterer vanligvis er basert på menneskefiguren.
De fleste fantasiskapninger deler noen likheter med virkelige skapninger.
Og uansett hva slags sammensatte karakterer eller innstillinger du lager, må du vite hvordan noen grunnleggende ting. Hvordan perspektiv fungerer, hvordan man gjengir lys og teksturer som tre og vann, hvordan klær brettes over noens arm.
Disse kan alle studeres fra liv og realisme praksis hjelper mye med å spikre troverdig arbeid.
Den gode nyheten er at hvis du virkelig elsker kunst, kan det være morsomt å lære det grunnleggende! Det er gøy å bli bedre og se fremgangen din over tid. Ja, læring er hardt arbeid og det kan bli kjedelig å øve på de samme tingene.
Men hardt arbeid er rett på kanten av «trøst» og «ubehag». Press deg selv litt forbi det punktet og det er der du lærer. Alle de beste tingene skjer når du kommer like utenfor komfortsonen din og virkelig prøver å forbedre deg.
Og du kan bli overrasket over hvor raskt du forbedrer deg når du gjør realisme til en del av din vanlige praksis.
Du vil bli bedre til å tegne positurer og gjenstander du aldri har sett før, fordi du vil ha massevis av realismeerfaring å tegne fra.
Du vil forstå hvordan kroppen og gjenstandene fungerer slik at du kan ordne dem i forskjellige posisjoner med forskjellig belysning.
Det er morsomt å eksperimentere og leke og fylle skissebøker med øvetegninger. Alt dette er en del av prosessen med å bli en mesterillustratør.
Og sanne mestere elsker prosessen like mye som de elsker sluttresultatet.
Det er verdt å merke seg at animatører kanskje ikke ser like mye verdi i realisme, men de vil finne verdi i å øve fra livet.
Animasjon må være rask slik at du får mer verdi fra raske tegninger og bevegelser. Animatører ønsker å fange vekt, form, bevegelse, holdning, ting som gjør at tegneserieprosessen forblir sann til livet. Dette krever ikke overdreven detaljer, men det skader aldri å øve!
Bør du praktisere realisme?
Kan være!
Her er noen tegn å se etter. Hvis du ikke er fornøyd med arbeidet ditt, eller hvis du finner noen av disse tegnene som ofte vises, kan det være lurt å bruke mer tid på å praktisere realisme:
- Figurene dine ser ikke «riktige» ut eller proporsjonene føles dårlige og du vet ikke hvorfor
- Formene og figurene dine ser ut som om de ikke har noen vekt, eller de ser ut til å være «svevende» eller ikke jordet i scenen
- Perspektiv er aldri helt riktig for visse objekter
- Du klarer ikke å gjengi detaljer riktig og få en virkelig troverdig blanding av lys og skygge
Disse krever ikke alle trening fra livet, og du kan alltid fikse problemer individuelt gjennom øvelser.
Men hver eneste skjeve tegning kan fikses ved å adressere den underliggende årsaken, og den årsaken kan bare være mangel på grunnleggende kunnskap. Gjett hvordan du kan forbedre det!
Enten du er en dyktig kunstner eller bare har begynt med en blyant, kan det å studere realisme bidra til å bygge ferdighetene dine og utvikle stilen din raskere enn noe annet du kan gjøre.
Hvis du er litt ukomfortabel med å starte fra bunnen av, så sjekk definitivt ut Proko-videoserien. Alle kursene hans fokuserer på realisme, og de tar sikte på å lære nybegynnere hvordan de kan se riktig, hvordan de kan øve på figurarbeid og hvordan de strategisk kan forbedre livets tegninger dreper.
For livet tegnepraksis anbefaler jeg spesifikt figurkurset og anatomikurset.
Begge kursene jobber fra levende modeller og begge deler bare lære realisme så disse er som boot camp-treningskurs for å forbedre ferdighetene dine raskt.
Vi har skrevet detaljerte anmeldelser om både figurserien og anatomiserien, så sjekk ut disse artiklene hvis du ikke aner hvordan du skal begynne med realisme og kanskje vil ha noen videokurs for veiledning.
.jpg){kind=link}
