Kraften til popkunst

Populærkulturen hyllet alt på 1950- og 60-tallet i Amerika, og å opprettholde status quo ble viktigere enn noen gang. Kraften til popkunst har dukket opp siden den gang og kontinuerlig bryter alle konforme perspektiver av kunst

Etterkrigstiden virker gammeldags for oss nå, men på den tiden opplevde menneskeheten livet på måter som datidens voksne ikke en gang kunne ha tenkt seg som barn. Med en ny verden kom nye perspektiver, nye holdninger og nytt språk. Hvordan annet å beskrive tidens visuelle uttrykk enn å bruke det språket?

Lawrence Alloway, en britisk kunstkritiker, gjorde nettopp det da han laget begrepet POP-art med henvisning til kunst som etterlignet forbrukerisme og populærkultur.

Verden hadde blitt så superkonform at hvert hus, hage og til og med personlig utseende så like ut.

Reklame var gjennomgripende og markedsført til offentligheten falske bilder av liv de prøvde så hardt å etterligne, men aldri kunne. Resultatet var en understrøm som gikk gjennom de fleste husholdninger som resulterte i økt alkoholisme hos menn og nervøse sammenbrudd og avhengighet av piller hos kvinner.

Tidens voksne hadde vokst opp med hardt arbeid og svært lite komfort under depresjonen, men nå hadde de maskiner som fungerte for dem og bekvemmelighetsprodukter som så ut til å komme fra overflod de ikke visste hva de skulle gjøre med.

Berømt popkunst

Berømt popkunst

Avantgardetenkerne, de beatniks, og sosiale aktivister i nasjonens kulturelle knutepunkter la merke til hykleriet til idealiserte bilder, TV-programmer og forgudede kjendiser som publikum så hardt prøvde å etterligne. De så dagens trender som homogenisering og kvelning av menneskeheten, innovasjon og kreativitet. De begynte å forsøke å avsløre det absurde i konformitet.

Pop Art forenklet

Kunstnere, først og fremst fra Storbritannia og Amerika, begynte å lage kunst ved å bruke selve gjenstandene og mediene som popkulturen hadde brukt for å manipulere massene til selvtilfredshet og masseforbruk. De dristige primærfargene og enkle grafikkene i tidens emballasjedesign, og ofte selve pakkene, ble brukt til å lage deler som er godt kjent i dag, for eksempel Brillo-bokser og Campbells suppebokser. Det var en fullstendig avgang og nesten det motsatte av datidens andre gigantiske kunstbevegelse – abstrakt ekspresjonisme.

Mens abstrakte kunstnere søkte å la mediet styre bildet, som i Pollocks malingsdråper, gikk Pop Artists utover realismen til virkeligheten.

Mens abstrakte ekspresjonister brukte arbeidet sitt for å trekke ut av betrakteren en erkjennelse av tragediene i etterkrigstiden, post-depresjonstiden, avslørte popartister effektene av traumet de siste tiårene i trendene i den nåværende tiden. Effekten var gripende, revolusjonerende og avslørte skjørheten til den emosjonelle fasaden.

  Hvem er Andy Warhol? 7 kjente Andy Warhol-kunstverk

Popartister jobbet i etterligning, ved å bruke tidens grafiske stiler, formatet til populære tegneserier og uttrykkene til populære motemodeller og kjendiser for å formidle budskapene sine. Selv om det var en imitasjon, var det ikke collage – dette var erfarne kunstnere hvis talenter for mer detaljert arbeid var kjent tidligere. De oppnådde utseendet til disse verkene med silketrykk og til og med maling.

Som popartisten Roy Lichtenstein sa det, «Pop Art ser ut i verden. Det ser ikke ut som et maleri av noe; det ser ut som selve tingen.» Den første popartisten, Richard Hamilton, definerte popkunst i ironien og vidden til popkunsten selv: «Popkunst er: populær, forbigående, brukbar, rimelig, masseprodusert, ung, vittig, sexy, gimmicky, glamorøs, og Big Business.

Pop-art stykker var ikke bare reproduksjoner av gjenstander og reklame. Hvert stykke ble tilført smart vidd, ironi og et subtilt budskap som ble tydelig for observatøren. Noen ganger ble det avslørt gjennom isolasjonen av elementet fra dets vanlige miljø, og noen ganger var det mer åpenbart med tekst eller kontekstuelle ledetråder.

TAKKA TAKKA

Essensen og komplette elementer av popkunst finnes i Roy Lichtensteins TAKKA TAKKA; et stykke laget i tegneseriestil med lydeffekten «takka takka» som resonerer med avfyring av et maskingevær.

Tegneserier av tiden, spesielt i denne stilen, var ment å være enten morsomme eller svirrende og heroiske. Ved å bruke dette bakteppet for å formidle budskapet sitt, har Lichtenstein fordelen av sidestilling for å gjøre effekten mer skurrende og tankevekkende.

Takka Takka

Takka Takka

Den begrensede paletten og fraværet av de nevnte soldatene gjør dem til den nære plasseringen av den voldsomme bulingen av pistolen som rykker til betrakteren. Effekten er at betrakteren, etter å ha lest teksten, blir lurt på følelsene til ikke bare soldatene, men til ofrene.

  15 mest kjente kunstverk av Raoul Dufy

Etterkrigstiden hadde løftet opp Amerika som heroisk og krigsinnsatsen som «det riktige å gjøre», men den hadde ignorert den enkelte soldat og effekten av krigen på kroppslig helse og psyken til ofte svært unge soldater. Et klapp på skulderen, et fast håndtrykk og «Godt jobbet, sønn» ble ofte gitt som en anerkjennelse av manndom og lojalitet, men børstet under teppet sjokk, moralsk dilemma og spørsmål om autoritet. Dette arbeidet bringer alt dette i fokus og antyder en usett karakter i maleriet: etablissementet som skapte scenariet – myndighetene som fikk det til for disse individene, både soldat og offer.

I dette oppnår Lichtenstein hovedessensen av selve popkunsten i å avsløre det aller mest konformistiske samfunnet – militæret, der det ikke skal være noen individer, der fri tanke og ytring ikke bare er tillatt, men undertrykkes gjennom kontroll og dominans. Dette maleriet ble laget i 1962 – like før USAs engasjement i Vietnam, akkurat da folk begynte å lure på hensikten med krigen og stille spørsmål ved moralen i den.

Legg til dette fargene kunstneren valgte – farger som fremkaller vold, enhetlighet og kald stål-ambivalens mot krigens grusomheter. Lydeffektteksten lagt ut i blodfarge, skrikende «TAKKA TAKKA» og teksten som etterligner den heltetilbedende og patriotiserte retorikken til et nyhetsmedie som forsvant de skremmende og ødeleggende scenene i ekte kamp.

Power of Pop Art

Power of Pop Art

Kritikere peker på et alternativt, tilleggsperspektiv på historien som fortelles i dette maleriet, et som bringer fokus til det faktum at uten en synlig skytter, er det ingen menneskelighet i krig, ingenting som gir historien som er skildret et gram emosjonell tanke. I dette alternativet er det ofrene som står i sentrum i sinnet, som ikke deler i heroikken til angrepet fra takka takka kulesperringen.

  "Livets tre" av Gustav Klimt - Utforsk maleriet "Livets tre".

Uansett hvilket av de to perspektivene betrakteren opplever, eller hvilket som helst annet perspektiv, oppnår Lichtenstein kraften til popkunst i dette verket. Et enkelt bilde, i reservefarger og linjer, som minner om populærkulturens godartede maler, skaper på en enkel og effektiv måte en historie i betrakterens sinn som når en kompleksitet langt utover det som er malt på lerretet.

Popkunst populær i det nye årtusenet

Siden 1950- og 60-tallet da popkunsten dukket opp, har folk forsøkt å beholde og til og med fremme sin egen individualitet. Dessverre har regjeringer, bedrifter og media jobbet for å motvirke behovet for personlig uttrykk, og vi er fortsatt omgitt av populært bildespråk, masseforbrukerisme og homogenisert tankegang.

Denne kampen mellom individet og etablissementet har gjort fortsettelsen av popkunsten mer relevant enn noen gang. Bevegelsen utvikler seg med tiden, og budskapene er modigere og gjengitt dristigere enn noen gang før.

Gjennom et økt utvalg av medier, spesielt digitale, og med et bredere globalt publikum, inspirerer og oppmuntrer aktuell popkunst til ettertanke hos moderne seere med den samme lyse energien som den begynte med. Seerne i dag oppmuntres av artister som f.eks Takashi Murakami, Yoshitomo Naraserveog den stadig innovative Banksy, for å tenke på hvordan de blir påvirket av kulturens konformitet og å gjenkjenne og beholde sin egen identitet mot alle forbrukerodds.

Vi elsker popkunst!