Tgjennom hele menneskehetens historie har det vært konflikter og kriger, og sammen med hver krig har det vært kunstnere som har forsøkt å fange disse historiske øyeblikkene ved å produsere krigsmalerier. Noen ganger ble disse krigskunstverkene skapt ut fra en følelse av patriotisme, ved andre anledninger ble berømte kampmalerier bestilt for bruk som politisk propaganda eller til minneformål. For å finne ut mer om disse konfliktene, la oss utforske noen av de mest kjente maleriene om krig og kamper.
Vår topp 10 liste over kjente malerier om krig og kamper
Til tross for deres ganske dystre tema, gir krigsmalerier kunstneren muligheten til å skape kunst som er relevant for deres tidsalder, full av bevegelse og følelser, dypt inne i symbolikk og allegori, og som krever teknisk dyktighet. Det var også et fag som var populært blant overklassen og derfor sikret dem et marked. Det var også dedikerte krigskunstnere som fikk i oppdrag av regjeringen å dokumentere krigsopplevelsene på førstehånd. Men ettersom krig har vært en så kontinuerlig tilstedeværelse gjennom menneskets historie, har mange kunstnere valgt å lage krigskunstverk for å uttrykke sine følelser om konsekvensene av krig og effekten den hadde på deres liv så vel som de rundt dem. Her er vår liste over de mest kjente kampscenemaleriene.
Slaget ved San Romano (1432) av Paolo Uccello
| kunstner | Paolo Uccello (1397 – 1475) |
| Dato fullført | 1432 |
| Medium | Tempera på tre |
| Dimensjoner (cm) | 182 x 323 |
| plassering | Uffizi-galleriet, Firenze, Italia |
Dette panelet er en del av en serie på tre verk som minnes de florentinske styrkenes seier over den Sienesiske hær og koalisjonen ledet av hertugen av Milano i 1432 i slaget ved San Romano. Da Tolentino, sjefen for den florentinske hæren, blir fremstilt mens han setter av Della Carda, sjefen for de motstridende styrkene, med lansen mens kampen raser rundt ham.
Plasseringen av armbrøstene og lansene, med de florentinske troppene litt vippet fremover og fiendene noe tilbaketrukket, symboliserer det endelige utfallet av konflikten.
Uffizi-panelet er midtpunktet i en narrativ serie som starter med at Da Tolentino leder de florentinske troppene i kunstverket som nå vises på Londons nasjonalgalleri og avsluttes med angrepet av Da Cotignola, en alliert av den florentinske hæren, avbildet på kunstverket nå utstilt på Museet Louvre. Bare noen få år etter selve begivenheten bestilte Lionardo Bartolini Salimbeni, en fremtredende skikkelse i det florentinske politiske livet på 1400-tallet, syklusen for sin bolig i Firenze.
Slaget ved Alexander ved Issus (1529) av Albrecht Altdorfer
| kunstner | Albrecht Altdorfer (1480 – 1538) |
| Dato fullført | 1529 |
| Medium | Olje på panel |
| Dimensjoner (cm) | 158 x 120 |
| plassering | Alte Pinakothek, München, Tyskland |
Dette kunstverket ble produsert under renessansen, en periode i kunsten og litteratur da klassiske temaer og historier var fremtredende. Det gjenspeiler denne fascinasjonen for klassisk historie, så vel som renessansens gryende interesse for individualitet og tapperhet. Den skildrer et øyeblikk fra Alexander den stores episke konfrontasjon med den persiske monarken Darius III i 333 fvt. Den skildrer Alexander som rir på hesten sin mot Darius, med en voldelig kampscene som oppstår i det fjerne.
Soldater er portrettert i utrolige detaljer i dette kampscenemaleriet, med lyse og forseggjorte rustninger og forskjellige våpen.
Naturen er også representert i stor detalj, med bratte klipper og trær som bidrar til scenens følelse av spenning og energi. Dette krigskunstverket skiller seg ut for sin unike bruk av perspektiv. Altdorfer brukte diagonale linjer for å skape en følelse av bevegelse, samt for å skape en følelse av dybde ved å gjøre individene og elementene i forgrunnen større enn de i det fjerne. Lyse, kontrasterende farger brukes også i kunstverket for å produsere en energisk og levende atmosfære.
Overgivelsen av Breda (1635) av Diego Velázquez
| kunstner | Diego Velázquez (1599 – 1660) |
| Dato fullført | 1635 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 307 x 367 |
| plassering | Museo del Prado, Madrid, Spania |
Dette kunstverket skildrer den seremonielle overrekkelsen av nøkler som fant sted tre dager etter den nederlandske hærens formelle overgivelse ved Breda. Som et resultat er krigskunstverkets vekt på forsoning i motsetning til konflikt. Nøkkelen som ble presentert for Spinola av den nederlandske kommandanten Justin av Nassau og hans gest med å legge hånden på motstanderens skulder er fokuspunktene i kunstverket. Som et resultat har det to betydninger: For det første betyr det en enorm nasjonalistisk seier for Spania; for det andre gjenspeiler den Spinolas edle og nådige triumf.
Fremfor alt fungerer det som et minnesmerke over Velazquezs venn Ambrogio Spinola.
Kunstneren klarer å understreke både Spanias fredelige hensikt og dets militære styrke ved å fremheve Spinolas respekt for Nassau og de nederlandske troppene. Det er også mulig at kunstverkets humanitære tone var ment som et verk av katolsk kontrareformasjonspropagandakunst for å motvirke protestantiske påstander om den spanske inkvisisjonens brutalitet. Måten Velazquez bruker farger på i kunstverket er også bemerkelsesverdig, sannsynligvis et resultat av hans studier av renessansekunst under reisen til Italia.
General Wolfes død (1770) av Benjamin West
| kunstner | Benjamin West (1738 – 1820) |
| Dato fullført | 1770 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 151 x 213 |
| plassering | National Gallery of Canada, Ottawa, Canada |
Døden til James Wolfe, den britiske generalen, i slaget ved Quebec i 1759 er vist i dette berømte krigskunstbildet av Benjamin West. Toppen av flagget og plasseringen av mennene danner en trekantet komposisjon der West presenterer general Wolfe som en Kristus-lignende figur. Maleriets representasjon av den indianerkrigeren – huket med haken på hånden og stirret på general Wolfe – har blitt tolket på måter.
Å berøre ansiktet med hånden blir sett på som et tegn på dyp kontemplasjon og intellekt i kunsten. Andre ser det som en idealisering av begrepet «den edle villmann».
På den tiden var klærne Benjamin West fremstilte i dette bildet ekstremt splittende. Mens hendelsen var helt nylig (bare 11 år før maleriet ble produsert), gjorde temaet det til en passende representasjon av den historiske malerisjangeren, som moderne klær var upassende for. Mens han jobbet med krigskunstverket, ba mange innflytelsesrike mennesker ham om å skildre karakterene i klassisk drakt, og da det var ferdig, nektet George III å kjøpe det fordi klærne svekket begivenhetens følelse av verdighet.
Major Peirsons død (1783) av John Singleton Copley
| kunstner | John Singleton Copley (1738 – 1815) |
| Dato fullført | 1783 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 147 x 366 |
| plassering | Tate Britain, London, Storbritannia |
Major Francis Peirson, en britisk offiser drept under slaget ved Jersey i 1781, er avbildet i krigskunstverket. Den skildrer Peirson i midten av scenen, liggende på bakken med armen utstrakt mens han er omringet av britiske soldater. Folket er representert i dramatiske posisjoner, med noen som beklager kommandantens død og andre kjemper mot de franske soldatene i bakteppet.
Handlingen er satt mot et detaljert bakteppe av St. Helier, hovedstaden på Jersey. Det er bemerkelsesverdig for å skildre tapperhet og offer.
Peirson blir fremstilt som en helt som ofret livet for sin nasjon og sine kamerater. Kunstverket skildrer også periodens britiske patriotisme og nasjonalisme, samt ånden av ære og plikt som preget det britiske militæret. Det ble malt på slutten av 1700-tallet, i en periode da historisk maleri var mote i Amerika og Europa. Den viser denne fascinasjonen for historiske hendelser og skikkelser, så vel som virkningen av litteratur og klassisk kunst om europeisk maleri.
Napoleon krysser Alpene (1805) av Jacques-Louis David
| kunstner | Jacques-Louis David (1748 – 1825) |
| Dato fullført | 1805 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 260 x 221 |
| plassering | Château de Malmaison, Rueil-Malmaison, Frankrike |
Jacques-Louis David blir sett på som en av de mest kjente nyklassisistiske malerne siden han produserte så mange portretter av betydningsfulle personer innen politikk og kunst. David begynte å male bilder av Napoleonskrigene i 1801, og verkene hans har blitt umiddelbart identifiserbare siden den gang. Maleriene viser respekt for Napoleons sagnomsuste marsj over Alpene, som regnes som en av de mest forræderske fjellkjedene i verden.
Kommandanten var i stand til å tilby ytterligere støtte til styrkene sine i Italia ved å lede dem via tette tunneler som snodde seg rundt snødekte fjelltopper.
Jacques-Louis David fikk i oppgave å lage noen få malerier for å minnes en av de mest dristige og strålende militærplanene i nyere tid. Det ble bestilt av kongen av Spania, og Napoleon selv ble oppsøkt om hvordan han gjerne ville bli fremstilt på bildet. Maleriet ble mye reprodusert og sirkulert over hele Frankrike og bidro til å etablere Napoleons image som en mektig og karismatisk leder.
Opprøret i Kairo (1810) av Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson
| kunstner | Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson (1767 – 1824) |
| Dato fullført | 1810 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 31 x 45 |
| plassering | Château de Versailles, Versailles, Frankrike |
Dette kunstverket viser en gruppe koptiske kristne som gjør opprør mot sine muslimske herrer, ledet av en prest som reiser et kors. Individene vises i en rekke dramatiske posisjoner, med noen som kjemper og andre ber om nåde. Kunstverkets bakgrunn er fylt med flammer og røyk, noe som tyder på at revolusjonen har blitt voldelig. Dette krigskunstverket ble produsert i en tid da Europa ble fascinert av eksotismen i Nord-Afrika og Midtøsten.
Kunstverket ble også til under den franske erobringen av Egypt, og det er mulig at Girodets opplevelser der inspirerte det.
Selv om kunstverket er estetisk tiltalende, har det også vist seg å være splittende. Noen har uttrykt bekymring for at kunstverket opprettholder forforståelsene om muslimer som tyranner og kristne som undertrykte. Andre har berømmet kunstverket for dets slående bilder og undersøkelse av konflikter mellom Egypts ulike kulturelle og religiøse grupper.
Slaget ved Cesme om natten (1848) av Ivan Aivazovsky
| kunstner | Ivan Aivazovsky (1817 – 1900) |
| Dato fullført | 1848 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 193 x 183 |
| plassering | Aivazovsky National Art Gallery, Feodosiya, Ukraina |
Slaget ved Cesme skjedde i juli 1770, under den russisk-tyrkiske krigen. Kampen ble utkjempet mellom den russiske flåten, ledet av admiral Alexey Orlov, og den osmanske marinen, som var stasjonert i Cesme-bukten på Tyrkias vestkyst. Russerne vant engasjementet avgjørende og ødela en stor del av den osmanske flåten.
Aivazovsky skildrer den spektakulære kampscenen i dette krigskunstverket, med de russiske skipene opplyst av bålene til brennende osmanske båter.
Kunstverket skildrer slagets ødeleggelser og voldsomhet, med skip omsluttet av flammer og menn som kjemper for livet. Bruken av lys og farger av Aivazovsky gir en følelse av at det haster og intensitet, og maleriet formidler størrelsen og styrken til sjøslaget. Det eksemplifiserer Aivazovskys evner som sjølandskap og maritim scenekunstner, så vel som hans evne til å skildre dramaet til historiske hendelser.
Krig (Krieg) (1923) av Käthe Kollwitz
| kunstner | Käthe Kollwitz (1867 – 1945) |
| Dato fullført | 1923 |
| Medium | Tresnitttrykk |
| Dimensjoner (cm) | 47 x 65 |
| plassering | Museum of Modern Art, New York City, USA |
Käthe Kollwitz begynte å jobbe med Krieg (Krig) i 1919, som et svar på grusomhetene hun opplevde under de «usigelig forferdelige årene» av første verdenskrig og dens kjølvann. De syv tresnittene skildrer kvalen til mennesker som er etterlatt, inkludert enker, mødre og barn. Kollwitz hadde slitt med å finne den rette måten å uttrykke seg på før hun så en utstilling av tresnittene til Ernst Barlach i 1920. Kollwitz forenklet komposisjonene radikalt ved å revidere hvert trykk gjennom så mange som ni foreløpige skisser og stadier.
De stramme svart-hvite tresnittene i storformat skildrer kvinner som har blitt overlatt til å konfrontere sin sorg og bekymringer alene, med sine elskere eller med hverandre.
Krigerne er kun avbildet i ett trykk. I den tar Kollwitzs yngre sønn, Peter, dødens plass, og leder hæren i en sprudlende parade til kamp. Bare to måneder senere døde han i kamp. Kollwitz håpet at disse stykkene ville bli mye sett. Hun produserte globalt forståelige kritikker av de virkelige ofrene som forventes i bytte mot abstrakte ideer om ære og storhet ved å fjerne hentydninger til en bestemt periode eller sted.
Krigen (1932) av Otto Dix
| kunstner | Otto Dix (1891 – 1969) |
| Dato fullført | 1932 |
| Medium | Olje på tre |
| Dimensjoner (cm) | 204 x 60 |
| plassering | Galerie Neue Meister, Dresden, Tyskland |
Før første verdenskrig gikk Dix på Dresden University of Art. Otto Dix tjenestegjorde i den keiserlige tyske hæren i 1915 og kjempet som maskingevær. Han gikk tilbake til skole for kunst etter tjenesten. Dix’ traumatiske minner fra tiden i skyttergravene tjente som inspirasjon for hans antikrigskunstverk produsert etter 1920. I 1927 ble han utnevnt til professor ved Dresden-akademiet. Som svar på allmennhetens mening om første verdenskrig som en heroisk begivenhet, begynte han arbeidet med triptyken kort tid etter 10-årsjubileet for dens slutt.
Nazipartiet klassifiserte flere av Dix sine malerier som degenerert kunst, men triptyken ble skjult av Dix og klarte å overleve. Triptyken er delt inn i tre hovedpaneler, med det venstre panelet som viser en prosesjon av tyske soldater som går bort fra observatøren gjennom krigens tåke mot konflikten i sentrum. Det midterste panelet viser et herjet bymiljø strødd med krigsutstyr og menneskelige levninger, mens det høyre panelet viser noen få mennesker på flukt fra konflikten.
Det fullfører listen vår over kjente malerier om krig og kamper. Som vi har sett, har krigsmalerier blitt produsert nesten like lenge som mennesker har vært i krig. Kampmalerier bidrar til å minnes disse øyeblikkene for fremtidige generasjoner av historikere for å undersøke etter ledetråder om hva som skjedde, eller i det minste for å få innsikt i hvordan disse krigene ble oppfattet av befolkningen og kunstnerne selv.
ofte stilte spørsmål
Hva er betydningen av kampscenemalerier?
De fungerer som visuell dokumentasjon av historiske hendelser og hjelper til med å bevare minner fra store militærkriger. Krigsmalerier registrerer avgjørende perioder i militærhistorien og kan fungere som en konstant påminnelse om troppenes kamp og tapperhet, så vel som konsekvensene av krig på sivile og sivilisasjonen som helhet. Mange kampscene-malerier er laget av kjente kunstnere, og deres arbeid kan gjenspeile øyeblikkets estetiske og kunstneriske tendenser.
Hvorfor ble kjente kampmalerier produsert?
Krigsmalerier kan brukes som politiske eller propagandavåpen. Krigsmalerier er ofte bestilt av administrasjoner eller militære befal for å fremme en bestemt sak eller formål. De kan brukes til å påvirke offentlig stemning og styrke støtten til en krigsinnsats, eller de kan brukes til å fremme en viss følelse av nasjonal identitet eller nasjonalisme. Krigsmalerier er avgjørende for å representere og tolke militærhistorie. De gir et unikt syn på virkningene av konflikt på mennesker og sivilisasjoner. De tjener som påminnelser om menneskehetens voldelige fortid og plagsomme historie.
