En verden av underholdningskunst er helt enorm. Det kan inkludere visuelt utviklingsarbeid for bakgrunner eller kulisser, rekvisittdesign for våpen eller karakterdesign som gir liv til et manus sentrale karakterer.
Julie Hauge Andersen har bygget en karriere rundt kunst med fokus på animasjon og underholdningsdesign – alt fra hjemlandet Danmark!
Og en titt på kunstporteføljen hennes beviser at hun har varene. I dette intervjuet deler Julie litt om sin historie som kunstner, sin skolegang og hvordan hun kom inn i verden av visutviklingsarbeid.
En fascinerende lesning for alle som er nysgjerrige på denne bransjen eller alle som ønsker å jobbe som frilansartist.
Kan du dele litt om deg selv, din historie med kunst og hva som fikk deg til å satse på kunst som en karriere?
Så tidlig jeg kan huske har jeg alltid ønsket å satse på en karriere som artist.
Jeg begynte å tegne seriøst da jeg var rundt 15, da jeg begynte på The Drawing Academy og studerte klassisk tegning og anatomi på Animasjonsverkstedet i Danmark.
Jeg ble deretter tatt opp til Character Animation-programmet da jeg var 17 på en dispensasjon basert på talent, da jeg var for ung til å ha graden til å bli akseptert på vanlige vilkår på den tiden.
Da jeg ble uteksaminert med min første bachelorgrad i kunst i 2007, visste jeg allerede at jeg ikke var ment å være en animatør. Etter noen år på jobb fant jeg veien og bestemte meg for å ta en ny grad ved The Animation Workshop i 2013, men denne gangen ved Graphic Storytelling-programmet.
Jeg fant ut at jeg virkelig ønsket å fortelle historier og utvikle ferdighetene mine som designer, for å satse på en karriere innen karakterdesign og visuell utvikling.
Ved siden av utdannelsen min har jeg brukt mye av tiden min på å utvikle arbeidet mitt gjennom å tegne mye og gjøre personlig arbeid med jevne mellomrom.
Hvor finner du mest inspirasjon til verkene dine? Føler du at tegning fra det virkelige liv spiller en rolle i din kunstneriske stil?
Jeg finner inspirasjonen min på mange forskjellige måter, og jeg har hatt en rekke påvirkninger gjennom livet, som følger meg og påvirker arbeidet jeg gjør i dag.
Animerte filmer har alltid spilt en stor rolle, men også litteratur, mytologi, tegneserier og spill, blant mye annet.
Jeg får egentlig ikke så mye tid til å trekke fra livet, men jeg henter inspirasjon fra folk jeg ser eller små historier fra hverdagen som jeg hører eller opplever.
Jeg inkorporerer, forvrider og blander disse til en stilisert versjon i arbeidet mitt. Å tegne fra livet kan være en veldig god øvelse for å øve på en rekke ferdigheter, og det er definitivt aldri en dårlig ting å gjøre livstegning eller stilleben.
Hva var din erfaring på The Animation Workshop, og hvordan formet tiden din der ditt nåværende kompetansesett?
Å være på The Animation Workshop var en av de mest givende opplevelsene i livet mitt. Det hadde definitivt stor innflytelse på utviklingen min.
Jeg vokste opp som kunstner i dette fantastiske og inspirerende miljøet og jeg lærte så mye, ikke bare som tegner, men også om meg selv.
Etter min personlige mening er det den beste skolen for animasjon i verden basert på måten de planlegger utdanningsprogrammene på og det fantastiske og frie miljøet for artister å vokse i.
Mest fordi de ansetter profesjonelle kunstnere som jobber fulltid i bransjen i dag, som har reell innsikt i hva som foregår og kravene til å være en arbeidende kunstner.
De gir et veldig reelt bilde av hva det vil si å jobbe innen forskjellige områder av animasjon, spill, og også illustrasjonskunst og tegneserier. Skolen gir rom for den enkelte kunstner til å utvikle sine egne ferdigheter og gi et bredt spekter av verktøy som i dag er relevante for bransjen.
Jeg kan på det varmeste anbefale alle som kan være interessert i å ta en kunstutdanning, å reise til Danmark og gå på et av deres tre bachelorstudier eller noen av deres masterklasser.
Om ditt visuelle utviklingsarbeid: hva går vanligvis inn i et vis-utviklerprosjekt? Hvordan planlegger du et nytt stykke fra start til slutt, og hvordan ser leveransene ut?
Når jeg starter et prosjekt, jobber jeg vanligvis veldig bredt med emnet og historien som jeg prøver å fange, men hovedfokuset mitt er å formidle en spesifikk humør eller følelse av en karakter eller miljø som jeg jobber med.
Jeg begynner med å skissere og krible rundt. Jeg prøver alltid å inkludere fortellerpunkter, og for meg er det viktig, så jeg finner den best mulige måten å tolke historien på til visuelle.
I å jobbe med klienten og se hva de reagerer godt på, tar jeg det derfra og sammen finner vi sluttresultatet i samarbeid.
Leveransene spenner fra veldig løse skisser til et ferdig ferdig stykke avhengig av prosjekt og hvor i prosessen vi er.
Etter din mening, hva er de viktigste ferdighetene som trengs for å skape utrolig vis- og karakterdesignarbeid?
For meg tror jeg at historien spiller hovedrollen med å gjøre visuell utvikling og karakterdesign. Det er avgjørende for alt som går inn i prosessen.
Jeg pleier å si at historien er spillets konge, sentrum for oppmerksomheten.
Så neste, en evne til å komme opp med en rekke ideer. Å presse og modifisere dem til ekstremer, men også ta retning og trekke alt sammen.
På toppen av det hele er det selvsagt tegnings- og designaspektet som spiller en stor rolle for å bli ansatt for å gjøre en slik jobb.
Å tegne mye og trene hjernen til å komme opp med ideer, løse problemer, foredle dem og bringe dem til et ferdig stadium, det er også en viktig ferdighet å ha.
En kjærlighet og lidenskap for jobben din holder deg i gang og driver hele prosessen.
Kan du fortelle om din erfaring med Big Hero 6: The Series? Hva slags arbeid gjorde du på prosjektet og hvordan var arbeidsflyten?
Å jobbe med Disney Televisions Big Hero 6-serie var en flott opplevelse, og jeg elsket å jobbe i studio med teamet.
Jeg jobbet på kunstavdelingen som bakgrunnskunstner ved Nørlum Studios i Danmark.
Det var en høy hastighet på å produsere malerier, med høy kvalitet, for å møte produksjonskvotene og standardene hver dag.
Vi ble vanligvis tildelt x antall bakgrunner i en sekvens hver uke og tok oss også av retakes, tilbakemeldinger og justeringer fra animasjonsavdelingen.
Vi jobbet i den spesifikke stilen til serien og skapte bakgrunner basert på storyboardene, alt levert fra Disney Television Animation i Los Angeles.
Jeg fikk sjansen til å gå til studioet i Los Angeles og møte kunstdirektøren og alle de store artistene på laget der. Det var en flott opplevelse å bli ønsket hjertelig velkommen og se hvordan produksjonsavslutningen deres så ut.
Animasjon er ofte teamorientert der mange artister jobber sammen om ett prosjekt. Har du noen tips om hvordan du kan mesh pent og jobbe synkronisert med et team?
Å lage animerte produksjoner er definitivt en laginnsats. Men det kan være vanskelig for noen å jobbe som et team.
Jeg tror det er veldig viktig å huske å ikke ta noe personlig når man får tilbakemeldinger og å huske på hva som er bra med prosjektet.
Lytt til andres ideer og prøv å bidra til å forme dem til noe unikt med ideene og ferdighetene du bringer til bordet.
Animasjonspipelinen er satt i et visst hierarki, så prøv å ikke tråkke andre folk på tærne når du jobber i et team. Husk alltid at dere alle jobber for et felles mål om å realisere dette prosjektet sammen.
Vær positiv, selv om du noen ganger blir tvunget til å drepe dine kjære. Uansett hvor god en idé kan være, kan det hende at den ikke tjener historien godt.
Ta retning og la story director, art director og produksjonsdesigner lede deg og teamet på rett vei. Det er de som har det større bildet i tankene og skal trekke alt sammen til en ferdig film- eller TV-produksjon.
Hvor stor er kunstverdenen i Danmark sammenlignet med andre større land som USA? Spesielt når det gjelder animasjon og illustrasjon, hvordan ser kunstverdenen ut der?
Animasjonsindustrien i Danmark vil jeg si gjør det ganske bra med tanke på hvor lite landet vårt er med en enda mindre industri.
Vi produserer spillefilmer samt TV-serier og reklamefilmer for danske og internasjonale produksjoner.
Næringen her, som resten av Europa, er mye basert på nasjonal finansiering fra staten. Og det kan noen ganger gjøre det vanskelig å skaffe det store beløpet som produksjoner i andre land kan ha.
Det bremser også prosessen med å få prosjekter finansiert betraktelig. Men alt tatt i betraktning synes jeg vi produserer en ganske høy kvalitet på animasjoner i Danmark, og vi har mange veldig dyktige artister her.
Et lite spørsmål om rutinen din: hvordan ser en typisk arbeidsdag ut for deg? Er det noen verktøy eller programmer du ikke kunne leve uten, og hvor ofte bruker du på å jobbe med betalte prosjekter kontra å øve eller tegne dine egne ting?
Jeg starter dagen min med å sjekke og svare på e-post, eller ta Skype-samtaler med klienter.
Deretter begynner jeg å jobbe med dagens oppgaver samtidig som jeg holder kontakten med kundene mine.
Jeg pleier å tegne litt for meg selv i pausene for å ta et skritt tilbake og tømme hodet.
Jeg bruker kvelder og jobber med mine personlige prosjekter og design. Det er en måte å fortsette å lære og utvikle seg som kunstner, men også å slappe av.
Jeg jobber fulltid som frilanser og jeg vil si at jeg bruker 80 % av tiden min på å jobbe med betalte prosjekter og 20 % på å gjøre mitt eget personlige arbeid, men det varierer avhengig av hvor travelt jeg er og hvor mange kunder jeg sjonglerer på samme tid.
For meg er det ekstremt viktig å gjøre mitt eget personlige arbeid, da jeg utvikler meg som kunstner og tester ting ut når jeg gjør det.
Dessuten må jeg ha et uttak, for å holde det gøy og ha plass hvor jeg tar alle beslutninger.
Jeg kunne ikke levd uten det, og jeg har en lidenskap for å skape mine egne historier og små verdener.
Jeg jobber på en Wacom Cintiq i Adobe Photoshop hver dag, og det er et verktøy jeg definitivt ikke kunne vært uten, både i mitt faglige og mitt personlige arbeid.
Jeg bruker også en iPad Pro med ProCreate, men det er hovedsakelig for små skisser og personlige stykker.
Hva tror du en ny frilansartist kan gjøre i dag som vil hjelpe dem å bli lagt merke til og få prosjektarbeid i animasjonsbransjen?
Generelt tror jeg at sosiale medieplattformer er en flott ting for alle artister å komme på: Instagram, Tumblr, ArtStation og LinkedIn spesifikt.
Å gjøre gratis selvreklame er flott, og det hjelper deg å nå et publikum.
Å dele kunsten og ideene dine med verden viser at du er aktiv og lidenskapelig. Det skaper også et nettsamfunn for artister som kanskje ikke har mange andre artister rundt seg på daglig basis.
Som det kan være når man jobber som frilansartist, kan det til tider bli litt ensomt.
Med det sagt tror jeg i høyere grad at artister i dag forventes å holde en konsekvent online tilstedeværelse på sosiale medier, men jeg føler ikke at populariteten på sosiale medier på noen måte er avgjørende for å få jobber.
Lag en sterk PDF-portefølje med 10-20 stykker av ditt beste arbeid og gjør en innsats for å søke på oppførte jobber, i tillegg til å sende ut e-poster til ethvert studio du kan tenke deg i ditt eget område og i andre land.
Du kan sende ut hundrevis av e-poster, men til slutt vil noen av dem komme tilbake til deg eller holde deg i systemet for prosjekter som kan passe dine ferdigheter.
Når du lager en portefølje, prøv å ha en variasjon i kompleksitet og stil i arbeidet ditt. Det kan gi deg forskjellige typer jobber og viser også en evne til å tilpasse seg en rekke prosjekter innen spilleanimasjon så vel som TV.
Noen produksjoner krever at du jobber i en bestemt stil som allerede er planlagt for deg, så å ta i bruk andre stiler er også en god ferdighet å ha, og du lærer mye mens du gjør det.
Det er mange ting å sjonglere når du jobber som frilanskunstner, ikke bare å lage kunstverk, men også administrative ting og holde kontakten med kundene dine.
Selv mens du jobber med ett prosjekt vil du jage det neste for å holde deg oppdatert.
Det kan være utfordrende, og du jobber mest sannsynlig mye mer enn du ville jobbet som in-house artist på en studio 9-5 jobb.
Husk derfor å sette av penger til regnværsdager og skatt, jeg pleier å ta 50% for å leve og de andre 50% på sparekontoen min. Selv om dette høres ut som mye å administrere, synes jeg det er en veldig morsom og givende måte å jobbe som frilanser på, fordi du får jobbe med en rekke forskjellige prosjekter med forskjellige mennesker av alle nasjonaliteter.
Det gir deg også en viss grad av frihet til å kontrollere din egen tid og timeplan, og balansere ditt privatliv med arbeidet ditt. Frilansing som artist er ikke for alle, men jeg elsker det virkelig.
En stor takk til Julie for all hennes tid på dette. Hvis du er interessert i karakterdesign eller visuelt utviklingsarbeid, håper jeg historien hennes kan gi litt inspirasjon.
Hvis du vil se mer av arbeidet hennes, ta en titt på nettstedet hennes eller bla gjennom hennes nylige Instagram-innlegg @juliehaugeandersen.