Kunstneren Bobby Rebholz er en mester i skapningsdesign. Du kan se dette over alt hans ArtStation fullpakket med fantastiske og grusomme beist.
Likevel ble han ikke født med dette talentet, og det er noe hvem som helst kan utvikle med nok arbeid.
I dette intervjuet deler Bobby sin reise som kunstner og hvordan han blir en instruktør for det utrolige CGMA.
Uansett hvilke mål du har eller hvor lenge du har praktisert kunst, er det mye å ta med seg fra Bobbys råd og erfaringer i kunstverdenen.
Kan du dele litt om historien din med kunst?
Jeg begynte i kunst i en alder av fire!
Min mor tok meg med til kusinen min for barnevakt mens hun dro på jobb. Begge forsynte meg med plasthærmenn og dinosaurer. Jeg prøvde å tegne dem hver dag og ble besatt av dinosaurer (hvilken liten gutt er ikke?!).
Jeg visste at det var noe jeg virkelig ville gjøre når jeg først kom i barnehagen fordi jeg tegnet på alt i klasserommet.
Jeg har ikke stoppet siden.
Hva er din utdanningsbakgrunn og hva er dine tanker om moderne kunstutdanning?
Jeg har en bachelorgrad i design med fokus på transport. Industriell design var en fin måte å lære det grunnleggende innen design.
Det er et stort stigma med utdanningskostnader i dag.
Gjelden øker og nettkurs blir mer populært, spesielt med kunst.
Mitt råd er å virkelig se på hva du vil.
Jeg elsket skolegangen på grunn av kameratskapet jeg hadde med likesinnede i klasserommet. Vi dyttet hverandre. Det er en stor energi du bare kan oppleve i et fysisk klasserom som du ikke kan med nettkurs.
Men hvis du har disiplinen, er nettkurs fantastiske og kan tilby like mye.
Det er tonnevis av ressurser på nettet for å oppnå praktisk talt alle ferdigheter du ønsker i kunst med et enormt fall i kostnadene for studentene. Også med nettkurs får du tilgang til bransjeveteraner som du vanligvis ikke ville fått på en fysisk skole på grunn av beliggenhet.
Når det gjelder frilanskarrieren din, hvordan kom du i gang med den siden av kunsten?
Jeg skal være ærlig: frilansing er vanskelig!
De fleste artister faller ikke bare inn i det og blir plutselig fantastiske med en liste over drømmekunder. Nei, det starter vanligvis sakte og stille med et snev av depresjon.
Jeg begynte med å være aktiv på nett og i sosiale medier. Jeg postet arbeidet mitt konstant og bygde opp en følge på den måten.
Jeg forble også aktiv med å søke etter freelance-spillinger på flere nettsteder som f.eks ArtStation. Selv om jeg ble avvist eller ikke hørte noe tilbake, tok jeg det aldri personlig og gikk videre.
Når det gjelder planlegging, kan frilansing være givende og drenerende. Timene har en tendens til å bli lengre, men du har friheten til å jobbe når du vil.
Disiplin er din beste venn … det samme er en kalender!
Hold alltid oversikt over kundene dine og forfallsdatoer med en kalender eller en form for dokumentasjon som regneark og til og med Word-dokumenter.
Hold kundene fornøyde ved å overholde forfallsdatoene.
Jeg innrømmer at jeg har gått glipp av forfall fra tid til annen, men så lenge jeg gir beskjed til kunden på forhånd er det vanligvis greit. Livet skjer og noen ganger må du ta vare på DEG, uavhengig av hva det kan være.
Hva var noen av de største utfordringene dine mens du studerte kunst og jobbet for å bli en profesjonell kunstner?
En av de største hindringene for å studere kunst er å ta kritikk konstruktivt.
Kunstnere er sta. Det er vår forbannelse.
Men når unge kunstnere trenger å forbedre seg, tar de ofte kritikk personlig eller tror rett og slett at de ikke trenger å forbedre seg på et område og lurer på hvorfor de ikke kan få jobb.
Dette oppstår ofte på videregående fordi du er vant til å være best i klassen eller skolen, og når seriøse konkurranser rammer eller du blir kritisert, skjer det umiddelbare tilbakeslag.
Mitt råd er å være ydmyk og innse at du kanskje suger i et område der du faktisk trodde du var god.
Å innse dette og være ivrig etter å vokse er nøkkelen fordi konkurransen om å få frilansjobber i den virkelige verden er hard. Som Wyeth Johnson fra Epic Games alltid sier «Du må slutte å sammenligne deg med jevnaldrende rundt deg og begynne å sammenligne deg selv med bransjen.»
Kan du ta oss gjennom en typisk dag i livet mens du jobber med prosjekter? Noen verktøy eller programvare som må ha?
Størstedelen av arbeidet mitt er blyant og papir, men jeg balanserer det også med digitalt arbeid.
Jeg har Photoshop CS6 og bruker et mellomstort Intuos 5-nettbrett.
Jeg prøver å spre prosjektene mine ut over dagen fordi jeg ikke kan jobbe med bare ett prosjekt. Vanligvis gjør jeg mitt beste arbeid på 20 minutters sprint, så bytter jeg eller tar en pause.
Å gå ut er nøkkelen til din mentale helse fordi frilansing kan være svært tidkrevende.
Jeg underviser også i fysiske bygninger, slik at det hjelper å bryte syklusen med å være inne hele dagen uten menneskelig interaksjon. Jeg har alltid musikk på mens jeg skisserer, og jeg sørger for å holde kontoret rent.
Når vi snakker om kontorer, er det lurt å sette opp et bestemt område for deg å ringe til kontoret ditt. Det hjelper deg å føle deg mer profesjonell.
Det er ikke nødvendig å kjøpe superfine skrivebord eller arkivskap. Ha i stedet en komfortabel stol og en fin skjerm. Det går langt.
Hvordan kom du i kontakt med CGMA og begynte å jobbe der som instruktør?
Jeg tok faktisk kontakt med dem først.
Jeg hadde visst om CGMA flere år før jeg sendte meldinger til dem. Jeg var interessert i å ta et miljødesignkurs og bestemte meg for å sende dem en e-post.
Mens jeg gjorde det, inkluderte jeg en lenke til porteføljen min.
De så at jeg fokuserte på skapninger og spurte umiddelbart om jeg var interessert i å undervise på et skapningsdesignkurs for dem. Det var bokstavelig talt slik det skjedde!
Å ha mange års erfaring med undervisning hjalp definitivt i deres beslutning om å ansette meg. Det var en kul, uventet tilfeldighet.
Kan du dele din erfaring med CGMA? Noen tanker om undervisningsmetodene deres og hvilke typer elever som kan ha mest nytte av timene deres?
CGMA gjør en fantastisk jobb med å strukturere klasserommene sine med oppgaver, forelesninger, spørsmål og svar og tilbakemeldinger.
Studentene har mange områder å velge mellom, for eksempel karakterdesign, miljøer og dynamisk tegning for bare å nevne noen.
Det har imidlertid vært veldig gøy å undervise med dem fordi mangfoldet av studenter som melder seg på gir deg et nytt blikk på hvordan folk lærer kunst rundt om i verden.
Hvis du er seriøs om å bli bedre og hvis du har god disiplin, er CGMA veldig fordelaktig. Klasserommene og oppgavene er satt opp omtrent som du ville opplevd hvis du var på en faktisk skole.
Hvordan vil du sammenligne å studere fra en lærer på nett med å studere med noen personlig?
Å studere fra en lærer har definitivt sine fordeler.
Læreren kan for eksempel være der personlig for å korrigere skjemaet ditt mens du prøver å tegne en linje eller skygge. Vi kan ikke gjøre det på nettet, men innspilte videoer er det nest beste.
Å studere på nettet er flott fordi du kan gjentatte ganger se innspilte videoer selv etter at den angitte timen er over. Du kan ikke gjøre det i et faktisk klasserom fordi læreren er borte resten av dagen.
Med begge kan du fortsatt samhandle med andre studenter, men mange ganger kan nettbaserte klasserom påvirke artister som er sjenerte.
Det kan hende de aldri legger ut arbeidet sitt for tilbakemelding, mens de må gjøre det i et klasserom med en lærer.
Ulempen med nettkurs er mangelen på fysisk tilstedeværelse fra en lærer eller student. Det er en energi som rett og slett ikke vil eksistere på nettet. Men ikke la det avskrekke deg fra utdanningen din.
Velg det du føler er den beste metoden for deg.
Hvis noen ønsket å designe skapninger på ditt nivå, hvordan vil du anbefale dem å øve? La oss anta at en nybegynner ønsker å designe fantastiske skapninger, men ikke er sikker på hvordan han skal fortsette; noen tanker eller forslag til en læringsvei?
Første ting først: Studer virkelige dyr fra jorden!
Altfor mange ganger tror unge artister at referansesamling faktisk er juks.
Men i virkeligheten jukser de seg selv fordi anatomien til skapningene deres er av. Studer ekte dyr og skisser dem først.
Gjør dette løst uten å fokusere på detaljer først. Skissering av miniatyrbilder er veldig viktig, og du kan gjøre dette ved å sette deg selv på 2 minutter per skisse.
La deg selv rable en skapningsform og stopp. Se på formen og bygg en skapning av den.
Alt handler om prosess og ikke å hoppe til et endelig design med en gang!
Mange kunstnere snakker om viktigheten av å tegne fra livet. Kan du dele tankene dine om hvorfor livstegning er en så viktig ferdighet å øve på?
Livstegning er viktig fordi du er vitne til skjemaene live i 3D-rom.
Du kan flytte rundt objektet/figuren for å se hvordan perspektivet endres umiddelbart.
Dette vil få sinnet ditt vant til å tegne det samme objektet, men i forskjellige visninger, noe som er en ferdighet i seg selv.
Konseptkunstnere jobber mye fra hodet, men oversetter også ideer fra det virkelige liv. Hvor mye bør en ambisiøs konseptkunstner trekke fra fantasi kontra fra det virkelige liv?
Referansetegning er det viktigste å fokusere på fordi fantasifull tegning bare skjer når vi trekker bilder fra hodet.
Vel, hvis du trekker bilder fra hodet som er anatomisk feil, kan du lage all kunsten du vil, men til slutt blir det feil.
Når du har studert nok referanse, kan du begynne å bruke fantasien din og manipulere hva som er ekte og hva som ikke er det, men fortsatt ha det troverdig.
Som konseptkunstner må du gjøre begge deler. Men når du får et prosjekt starter du nesten alltid med referanseinnsamling.
Hvis du får en uke til å designe en karakter eller skapning, er det normalt å bruke de to første dagene på å bare samle referanser.
Det er aldri for sent å lære å tegne, men livet blir travlere med mindre fritid når vi blir eldre. Noen tips til folk som ønsker å begynne å utøve kunst senere i livet?
Du trenger ikke sitte i timevis hver dag for å bli bedre.
Men det er greit å bruke minst 20 minutter om dagen på å øve. Uansett hvor hektiske livene våre blir, finner vi alltid tid til tingene vi elsker, og det er ingen unnskyldninger for det.
Hvis du virkelig elsker å tegne og ønsker å forbedre deg, vil du finne 20 minutter av dagen til å gjøre det. Jeg kjenner mange konseptkunstnere som jobber med vanlige dagsjobber som ikke er kunstrelaterte og som fortsatt finner tid til å tegne i lunsjpausene.
Chris Oatley fra Oatley Academy sa før han ble visuell utviklingskunstner hos Disney, jobbet han på Guitar Center og kjørte bokstavelig talt hjem i lunsjpausene for å male på lerret, og kjørte deretter raskt tilbake til jobb.
Noen siste ord til alle ambisiøse artister der ute?
Lær det grunnleggende før noe annet.
Klienter og spillselskaper vil oppdage dårlige grunnleggende forhold på mindre enn 10 sekunder, og det er ingen spøk. Det er bokstavelig talt 10 sekunder eller mindre.
Bare fokuser på hvilket område av konseptkunst du ønsker å forfølge. Bruk tid og energi på å bli god på ett område fordi sjansene dine for å bli ansatt vil være større.
Du kan øve på andre områder, men du trenger fokus på minst ett slik at du blir en av de beste på det spesifikke området.
En stor takk til Bobby for all hans tid til dette. Ingen tvil om at erfaringen hans er verdt å lytte til, og hvis du leter etter noe nettbasert studiemateriale, sjekk ut hans kurs på CGMA.
Du kan finne massevis av arbeid på hans ArtStation sammen med hans sosiale kontoer som Instagram og Twitter @bobby_rebholz.