Hva er et diptyk-kunstverk? I følge diptych-definisjonen er en diptych ethvert kunstverk med et par flate plater som utgjør ett kunstverk, og som vanligvis er forbundet med et hengsel. La oss finne ut mer om historien til diptych-kunstverk, samt analysere noen kjente diptych-malerier.
Hva er et diptych-kunstverk?
Den tradisjonelle skolenotisboken i den antikke verden var en diptyk sammensatt av et par av disse platene med et gap fylt med voks. Når merknadene ikke lenger var nødvendig, kunne voksen varmes mykt og flate ut, slik at det ble mulig å bruke det igjen. Vanlige diptyker inneholdt trerammer, mens mer overdådige diptyker ble laget av dyrere materialer. Et diptyk-kunstverk består av to paneler som til sammen utgjør et enkelt kunstverk. Disse kan settes sammen eller presenteres ved siden av hverandre.
Paneler ble ofte hengslet i middelalderen slik at de kunne lukkes og kunstverkene beskyttes.
Historien om diptykkunstverk
Den «konsulære diptyken» ble opprettet for å minnes en persons utnevnelse som romersk konsul når de ser ut til å ha blitt utarbeidet i sett og gitt av den innkommende konsulen til bekjente og tilhengere. Disse elfenbensfargede notatbokdiptykene hadde omslag etset i lavt relieff på de ytre omslagene. Andre kunne vært bestilt for personlig bruk eller opprettet for å feire et bryllup. Tallrike diptych-kunstverk, noen av de mest betydningsfulle bevarte kunstverkene fra det sene romerske riket, har blitt snudd og brukt som bokomslag for å bevare dem.
Det største bysantinske elfenbenspanelet som fortsatt eksisterer, er et blad fra en diptyk malt i justinsk hoffstil rundt 550 e.Kr. og viser en erkeengel.
Fra middelalderen og utover antok en rekke panelkunstverk diptych-formatet, som kompakte kunstverk for personlige formål; Øst-ortodokse versjoner ble kalt «reisende ikoner». Selv om disse triptykene var mer utbredt, var det også elfenbensdiptyker med relieffskårne religiøse emner, en form som oppsto i bysantinsk kunst før de ble svært populære i den gotiske epoken i Vesten, da de for det meste ble skapt i Paris. Disse passer den nomadiske livsstilen til middelalderens adel. Elfenbenene favoriserte komposisjoner med flere vertikale nivåer proppet med små karakterer.
En diptyk av Deesis, et ikon fra 1600-tallet (venstre til høyre: erkeengelen Michael, Theotokos, døperen Johannes, erkeengelen Gabriel), som ligger i det historiske museet i Sanok Polen; PrzykutaOffentlig domene, via Wikimedia Commons
På 1400-tallet kan ett panel (vanligvis det venstre) ha en profil av eieren eller klienten, med Jomfru Maria eller et annet religiøst tema på motsatt side. Eksteriøret, som noen ganger har påført seg betydelige skader fra reiser, kan ha enklere dekorative motiver, for eksempel eierens våpenskjold. Store altertavler ble typisk utformet i form av en triptyk, med to utvendige paneler som kunne brettes over den sentrale avbildningen. De er en slags kunstverk med flere paneler kjent som en polyptyk. Diptyken var en populær sjanger i tidlig nederlandsk kunst, og skildret alt fra sekulære portretter til religiøse skikkelser og historier. Et blad ble ofte lagt til et bilde, for eksempel en jomfru og et barn.
Det var spesielt populært gjennom 1400- og 1500-tallet. Formatet ble brukt av artister som Rogier van der Weyden, Jan van Eyck, Hans Memling og Hugo of der Goes.
Noen samtidsmalere har brukt konseptet i tittelen på kunstverk som består av to kunstverk som aldri virkelig er forbundet med et hengsel, men er designet for å vises tett sammen som et sett, for eksempel, Marilyn Diptych (1962) av Andy Warhol. som har blitt et moderne popkultursymbol. Begrepet «diptych» brukes ofte for å beskrive et par komplementære filmer eller litteraturverk. De anses å belyse hverandre og komponere et separat kunstverk fra de ulike elementene når de kombineres.
Kirkelige Diptych-kunstverk
Begrepet «diptychs» dukker først opp i tidlig kristen litteratur i denne formen. Begrepet gjelder offisielle lister over levende og døde som føres av den lokale kirken. De levende ville bli gravert på den ene siden av diptyken, mens den avdøde ville bli gravert på den andre. Etsning av et biskops navn i diptyken indikerer at den lokale kirken mener seg å være i forening med ham; fjerning av en biskops navn indikerer at den lokale kirken har brutt sin forbindelse med ham. Presten skulle resitere navnene i diptykene gjennom hele den guddommelige liturgien, og geistligheten leste dem ved forberedelsesliturgien. Diptychs ble ofte brukt for å udødeliggjøre helgeners navn.
Selv om vokstablettene ikke lenger brukes, brukes uttrykket fortsatt for å representere tekstene til diptykene i de østlige katolske og østlige ortodokse kirker, med alle de samme assosiasjonene.
Diptych Solur
Hvert blad hadde et ansikt på innsiden. Det ene bladet laget et horisontalt solur, mens det andre laget et vertikalt solur. Skyggekasteren var en tråd mellom dem, og kalibrerte hvor langt de skulle åpnes siden vinkelen er avgjørende. Et solur av denne typen kan modifiseres til enhver breddegrad ved å orientere skyggekasteren parallelt med jordens rotasjonsakse. En utbredt misforståelse er at hvis begge skjermene viser samme tid, er instrumentet riktig plassert og vender mot nord.
En diptyk konstruert som beskrevet ovenfor som en kombinert horisontal og vertikal solur med en trådskyggekaster vil vise samme tid på hver skive uavhengig av orienteringen.
Diptych with the Coronation of the Virgin and the Last Judgment (ca. 1260 – 1270), lokalisert i Metropolitan Museum of Art i New York City, USA; Metropolitan Museum of ArtCC0, via Wikimedia Commons
Tradisjonelt var denne dyden til selvjustering bare gyldig for diptyker som består av et vertikalt og et analemmatisk solur. Enkelte diptyker hadde grove kalendere i stil med pelekinoner som ble synkronisert med en nodus i form av en knute på strengen. Disse er nøyaktige til omtrent en uke, noe som var tilstrekkelig til å tidfeste planting av avlinger.
Kjente Diptych-malerier
Diptyken ble brukt av kunstnere for å formidle en historie på forskjellige tidspunkter, for å skildre veksten til et individ, eller for å representere mange synspunkter. I mange år var diptyken, enten den var malt eller skulpturert, det primære alternativet for å representere religiøs kunst. Ikke desto mindre dukker diptykkunstverk ofte opp i påfølgende klassisk og moderne kunst.
Wilton-diptykonen (ca. 1399) av ukjent kunstner
| kunstner | Ukjent (ca. 1390-tallet) |
| Dato fullført | c. 1399 |
| Medium | Eggtempera på baltisk eik |
| Dimensjoner (cm) | 53 x 37 |
| Nåværende plassering | Nasjonalgalleriet, London, Storbritannia |
Wilton-diptykonen ble laget på to stykker baltisk tre som ble satt inn i rammen av samme materiale og koblet sammen med et par hengsler slik at det indre kunstverket kan beskyttes. Selv om noen glasurer har blitt skadet, er innsiden av panelene i enestående stand for sin alder, men de utvendige flatene viser tap av maling ved håndtering. Tempera brukes i dette diptyk-kunstverket, med maling kombinert med eggeplomme og påført i tynne glasurlag. Bladgull er innlagt i bakgrunnen og flere forgrunnsdetaljer, og overflaten har blitt laget under gullet på steder for å fremheve den estetiske kvaliteten.
Til tross for at personene i de to interiørscenene står overfor hverandre og kobles sammen gjennom blikk og gest, er de plassert i distinkte miljøer.
Wilton-diptykonen (ca. 1399) av ukjent kunstner; NasjonalgallerietOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Menneskene befinner seg i nakent steinete terreng, med en skog i bakgrunnen og en «himmel» av bladgull utsmykket med et metallisk punchdesign. De himmelske vesenene står i et vakkert felt, med et gullbakgrunn mønstret av et tydelig slag bak seg. Den knelende kong Richard II er representert i panelet på venstre side av Edward the Confessor, og Edmund the Martyr, som hver har sin egen egenskap. Jomfruen, som holder barnet, er flankert av 11 engler i det høyre panelet, som er satt mot et gyldent bakteppe og et felt med fint fargede blomster.
Selv om de to bildene er konseptuelt relatert, har komposisjonene deres svært forskjellige følelser. Scenariet med Richard og hans gjester er rolig, men fullt av livlige farge- og teksturvariasjoner.
Bebudelsen og besøket (1399) av Melchior Broederlam
| kunstner | Melchior Broederlam (1350 – 1409) |
| Dato fullført | 1399 |
| Medium | Tempera på tre |
| Dimensjoner (cm) | 167 x 125 |
| Nåværende plassering | Musée des Beaux-Arts, Dijon, Frankrike |
Broederlam forsøkte å fordele malte former jevnt over alle de åpne områdene. Betrakteren kan skue utover det sentrale temaet til dypet av landskapet og arkitektoniske elementer i bakteppet, i tillegg til fokusmotivet som er lagt ut på et dekorativt strukturert plan. I en gotisk sal som er åpen på begge sider, hilser Jomfruen engelen; like ved er det en struktur med sirkulær grunnplan. En gang koblet til denne strukturen kan sees løpende vinkelrett på bildets horisontale akse og avsluttes ved en to-etasjers bygning i italiensk stil.
Den arkitektoniske samlingen er ordnet ganske tilfeldig fordi kunstneren søkte å bruke de grunnleggende formene for å formidle komplekse symbolske forestillinger.
For eksempel er Det gamle testamente representert av den ganske orientalske, hvelvede katedralen, mens Det nye testamente er representert av den gotiske salen. Elizabeth og Mary møtes foran et karrig, steinete, fjellterreng på panelets høyre side. Bakteppet utvides i dybden samtidig som det fyller bildets overflate og tilpasser seg de bølgete linjene i rammen. De to scenenes omgivelser har fått samhold av kunstneren på en rekke ulike metoder. En av disse er valget om å vise engelen i et naturlig miljø.
Venstre panel av Bebudelsen og besøket (1399) av Melchior Broederlam; Melchior BroederlamOffentlig domene, via Wikimedia Commons |Det høyre panelet til Bebudelsen og besøket (1399) av Melchior Broederlam; Melchior BroederlamOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Han kontrasterte den brune bakken utenfor bygningsklyngen med den vakre blomsterhagen på venstre side av bildet, men de naturlige omgivelsene er på denne måten knyttet sammen med steinstrukturene. De to komponentene i komposisjonen er også smart integrert, med fjellets flate platå som går inn i kanten av den sirkulære bygningen. Jomfruen er den stasjonære karakteren på hver side, med Elizabeth og erkeengelen Gabriel som nærmer seg henne fra motsatte retninger.
Den runde linjen på klippen i forgrunnen av landskapet, samt konstruksjonen av bygningen med den skråstilte hallen, fremhever ruten for deres bevegelser.
Melun-diptykonen (1455) av Jean Fouquet
| kunstner | Jean Fouquet (1420 – 1481) |
| Dato fullført | 1455 |
| Medium | Olje på panel |
| Dimensjoner (cm) | 93 x 85 |
| Nåværende plassering | Gemaldegalerie, SMPK, Berlin, Tyskland |
Etienne Chevalier, kong Charles VIIs kasserer, bestilte dette topanels andaktskunstverket etter å ha sett et annet verk av Jean Fouquet. Sistnevnte ble pyntet med bittesmå versjoner av Trajansøylen, den gamle Peterskirken og andre landemerker som Fouquet hadde sett mens han besøkte Roma som Chevalier, en tidligere ambassadør for Frankrike i England, ville ha vært klar over.
Fouquet var sannsynligvis allerede tenkt på som den beste artisten ved det franske hoffet i Tours. Mens han var i Roma, fikk han muligheten til å produsere portrettet av pave Eugenius IV.
Venstre panel av Melun-diptykonen (1455) av Jean Fouquet; Jean FouquetOffentlig domene, via Wikimedia Commons | Høyre panel av Melun-diptykonen (1455) av Jean Fouquet; Jean FouquetOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Tidligere hadde han fullført portrettet av Frankrikes Charles VII – en annen klassiker innen tidlig fransk kunst, men ikke spesielt smigrende siden det avslørte kongens store nese og pop-øyne. Fouquet fikk kontrakter fra provinsen Tours i tillegg til Chevalier og kongen, samt fra andre høye embetsmenn inkludert Guillaume Jouvenel des Ursins, kansleren. Giveren vises knelt sammen med Stephen, hans skytshelgen, i dette diptykon-kunstverket.
I en diakonkjole bærer helgenen en bok med en tagget stein som en påminnelse om martyrdøden hans, og blodet drypper fra stedet der han ble drept – toppen av hodet hans.
Diptyk av Federico da Montefeltro og Battista Sforza (1466) av Piero Della Francesca
| kunstner | Piero Della Francesca (1415 – 1492) |
| Dato fullført | 1466 |
| Medium | Olje på tre |
| Dimensjoner (cm) | 47 x 33 |
| Nåværende plassering | Uffizi-galleriet, Firenze, Italia |
Diptyken viser kona til hertugen av Urbino og er et av de mest kjente portrettene fra den italienske renessansen. Det adelige paret fremstår følelsesløst takket være den 14. tradisjonen, som var inspirert av stylingen av gamle mynter. De to personene vises i profil, et perspektiv som garanterte en god likhet og en sannferdig skildring av ansiktsdetaljer uten å la følelsene deres komme gjennom. Paret står vendt mot hverandre, og bakgrunnens lyse og sammenhengende, bølgende landskap, som representerer regionen i Marches de dominerte, innebærer et romlig element.
Det er bemerkelsesverdig hvordan de lyse hudtonene til hertuginnen står i kontrast til de gylne tonene som ble brukt til hertugen; hennes lette blekhet følger ikke bare de estetiske standardene som var populære gjennom renessansen, men det kan også være en referanse til hennes tidlige død i 1472.
Diptyk av Federico da Montefeltro og Battista Sforza (1466) av Piero Della Francesca; Piero della FrancescaOffentlig domene, via Wikimedia Commons
De latinske inskripsjonene på baksiden av brettene hedrer parets moralske prinsipper ved å vise at de triumferende blir trukket av hjul mens de blir eskortert av de kristne dyder. Utseendet til bildene på baksiden tilsier at de to maleriene, som i dag er plassert i en tidsriktig ramme, tidligere var en diptyk. Tvillingportrettet, et av Della Francescas mest kjente verk, representerer forbindelsen mellom maleren og Montefeltro-kongene; han var en jevnlig besøkende til hoffet deres, som snart skulle bli et av de mest betydningsfulle sentrene for italiensk kultur og kunst.
For å oppnå forbløffende resultater og uovertruffen unikhet, kombinerer mesterkunstneren den rigide anvendelsen av perspektiv han hadde lært under sine florentinske studier med den linseformede avbildningen som er mer typisk for flamske malerier.
Billedhuggeren Aubé og hans sønn, Emile (1882) av Paul Gauguin
| kunstner | Paul Gauguin (1848 – 1903) |
| Dato fullført | 1882 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 53 x 72 |
| Nåværende plassering | Petit Palais, Paris, Frankrike |
Paul Gauguin, som er mest kjent for sine tidlige lerreter som skildrer livet hans i Polynesia, er også kunstneren av dette berømte diptykmaleriet. Dette diptych-kunstverket skiller seg fra hans andre arbeid ved at fargene er dempet og temaene ikke er uvanlige. Aubé kan sees til høyre mens han arbeider på en vase på verkstedet sitt. I stedet for å fortsette med det han gjør, snur han seg mot barnet sitt, som ser på bilder i en helt annen scene enn den han nå er i. Faren og sønnen er plassert overfor hverandre og ser ikke ut til å være i nærheten av hverandre. til hverandre. Imidlertid smelter de to lerretene inn i hverandre.
Til og med blomstervasen og kanten på bordet der kunstneren er forlovet, dukker opp i scenariet med barnet hans. Gauguin tar dermed avstand fra den impresjonistiske bevegelsen og bekymringen for imitasjon.
Billedhuggeren Aubé og hans sønn, Emile (1882) av Paul Gauguin; Paul GauguinOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Basert på diptych-definisjonen er en diptych et kunstverk som består av to seksjoner. Det kan være en skisse, et maleri, et bilde, en utskjæring eller en hvilken som helst annen type flat kunst. Diptychs har lenge vært et favorittalternativ blant malere. Typisk er de to panelene intimt forbundet med hverandre; selv om en diptyk også kan referere til et enkelt verk som er spredt over to uavhengige paneler. En landskapskunstner kan for eksempel velge å male motivet på to paneler, som deretter vises sammen.
ofte stilte spørsmål
Hva er en diptyk?
Diptych-kunstverk var tradisjonelt hengslet i likhet med gamle bokbind som kunne bøyes. Kunstnere innen moderne kunst lager ofte to forskjellige paneler som skal vises ved siden av hverandre. Andre malere kan bruke et enkelt panel for å gi utseendet til en diptyk. Dette kan oppnås på en rekke måter, for eksempel med en malt linje som deler stykket eller med en enkelt matte med to åpninger kuttet inn i den.
Hva er en triptyk?
Mens du forsket på diptykkunstverk, har du kanskje også kommet over ordet triptyk. Det er fordi de to formatene er ganske like – de består av flere deler. Forskjellen er imidlertid at en diptyk består av to deler, og en triptyk har tre.
