Ordet «innovasjon» er et av de mest brukte ordene i dag, og når det kommer til eksperimentering i kunst, har kunstnere rundt om i verden også blitt superkreative
Vi lever for tiden i en tid der teknologi, kunst og miljø deler lignende ideer og jobber sammen for å produsere innovative kunstverk av kunstnere. Dette har faktisk forbedret ferdighetene som helhet.
Når du sporer tilbake i tid, vil du oppdage en uendelig liste over historiebøker og kunststrømmer der syv fremtredende malerier har en lignende historie å fortelle.
Disse maleriene gjenspeiler kunstnernes sinn ved å tvinge oss til å se et emne i en annen tilnærming og perspektiv, og vi bør prøve å stille spørsmål ved normaliteten til tingene vi ser.
Gjennom deres psykedeliske og hyperfantasi, som de kalte «normal», var måten de uttrykte seg selv og ideologiene sine på.
La oss ta en titt på syv gode eksempler på eksperimentering i kunst.
Grauer Tag-maleri av George Grosz
George Grosz var kjent for sine karikaturlignende malerier som viste hvordan livet så ut i den tyske byen Berlin på den tiden.
Men i 1920-1921 lette Grosz etter ny agitprop med dette verket, et med stilig visuelt språk.
Med bruk av medier som puster italienske metafysiske kunsttemaer, gikk George Grosz utover Dada og New Objectivity-gruppen fra Weimarrepublikkens tid. Han flyttet til USA i 1933, og forlot sin tidligere stil med emnet.
Grauer Tag Georg Grosz eksperimentering i kunst
Maleriene minnet verden om Giorgio de Chirico, som var noe som så ut som ansiktsløse mennesker i tomme områder foran noen standard industribygg.
Disse detaljene representerte stort sett politiske spørsmål og uttalelser snarere enn eksistensielle.
Maleriet avslører kontroversielle problemstillinger som ble fremhevet av en lav murvegg.
Det var en tverrøyd tysk nasjonalistrådsoffiser i forgrunnen.
Ifølge New Objectivity-utstillingen på Manheim i 1925 var de andre mennene bak velferdsoffiseren en funksjonshemmet krigsveteran, en arbeider og en svartebørshandler.
Illustrasjonen av denne kunsten delte samfunnet i to klasser.
Grosz begynte imidlertid å bruke den kritiske ‘Verism’-stilen og produserte ikke flere oljemalerier ettersom årene gikk.
Den store metafysikeren av Giorgio Chirico
De Chirico var en mystisk mann, og ideologiene hans gjenspeiles i verkene hans. I dette maleriet skapte han et tomt bygningsfelt midt i et merkelig monument.
Monumentet ble laget med møbeldeler og konstruksjonsverktøy med en uhyggelig helhetsvisning.
Byggverket ble opplyst med sommersollyset som strålte på det som en scene mens himmelens mørke i horisonten fremhever nattefallet.
For å opprettholde diskontinuiteten kan skorsteinen til fabrikken sees på himmelen der den moderne tiden bryter inn i quattrocentos kosmos.
For sitt overskredede verdensbilde oppdaget De Chirico Italia i en metafysisk fase. Dette synet ble imidlertid påvirket av Nietzsche.
«Oppfatningen av et bilde må være noe som ikke gir noen mening i seg selv og ikke lenger betyr i det hele tatt fra menneskelig logikk,» sa han.
The School of Athens av Raphael
The School of Athens ble laget av Raphael mellom 1509 og 1511, og ble identifisert som en lydrefleksjon av renessanseteorien.
Maleriet består av mange ideer fra store og kjente filosofer, matematikere og vitenskapsmenn formet til ett bilde.
Her kan menn som Aristoteles, Sokrates, Platon, Da Vinci og mange flere sees i maleriet.
Maleriet viser at de lærer og samhandler med hverandre.
Disse store mennene levde ikke i samme tidsramme, men Raphael bringer dem alle sammen på majestetisk måte. Dette var ment å markere feiringen av den tiden.
Den italienske renessansekunstneren skapte kunstverket for å dekorere rommene i det apostoliske palasset i Vatikanet. Rommene kalles nå Stanze di Raffaello som ble laget for å representere og hylle renessansen.
Maleriet kan fortsatt finnes i noen av romseksjonene, Vatikanet, som ble bestilt av hans sponsor, pave Julius II.
Der Radionist av Kurt Gunter
Tidlig i 1928 oppdaget den tyske kunstkritikeren og historikeren Franz Roh noe om legendarisk maling laget av Kurt Gunter.
Han beskrev interiøret som en småborgerlig stue.
Dette motsier imidlertid intensjonene til Gunters idé.
«petit-bourgeois…har stengt seg inne på en søndag med et knitrende radioapparat, har klemt på hodetelefoner, åpnet en flaske rødvin og plukket opp en operalibretto og en sigar en hevngjerrig ungkarsidyll fra vår tid og en musikalsk befestning, med motstand i øynene.»
Han beskrev det som bare et bilde av Herr Schreck, en paraplegisk og rullestolbundet tysker som lytter til radio mens den sender et program 29. oktoberth1923, noe som betydde hans forbedring i å utvide hans sosiale nett.
Ved å forme samfunnets ansikt fremhevet temaet for maleriet hans positivitet og revolusjonerende effekt av oppfinnelsen.
Det ble senere et hovedemne for mange flere nye mål for å male kunstverk som kommer.
Portrett av Madame Isabel Styler-Tas av Salvador Dali
Dette maleriet ble laget av de legendariske surrealistene, Salvador Dali, i 1929.
Bildet viser bildet av den suksessrike juveler Louis Tas datter, Isabel, en arrogant og rik forretningskvinne.
Bildet hadde henne iført et sofistikert rødt tøy med en brosje av medusa festet til brystet.
Bak henne var et landskap legemliggjort i dyp fantasi. Overfor henne var en fossil versjon av seg selv, og stirret tilbake på henne.
Med en utmerket fascinasjon for perspektiver og illusjoner, flørtet Dali med modernismetiden, som gikk gjennom den kubistiske fasen på den tiden.
Han var i stand til å oversette gammeldagse kunstverk til moderne problemstillinger, og det var en av tingene som gjorde ham berømt.
Han bemerket også at «Når det gjelder et portrettmaleri, hadde jeg til hensikt å skape en skjebnesvanger forbindelse mellom hver av de forskjellige personlighetene og deres bakgrunn, på en måte som er fjernt fra direkte symbolikk.
Dette er når det gjelder medium og ikonografi for å innkapsle essensen av hvert av fagene mine i tankene.»
Roy Lichtensteins TAKKA TAKKA
Som svar på revolusjonen av populærkulturen i Amerika på 1950- og 1960-tallet, var det et presserende behov for å opprettholde status quo på grunn av dens makt og økende berømmelse.
Etter fremveksten var det ingen stopp i å riste opp og deretter endre perspektivet til kunstkritikere og konformister; faktisk synet på hele kunstens verden.
Takka Takka
Takka Takka ble skapt av Roy Lichtenstein, som ble trent i USA-piloten og en veteran fra andre verdenskrig, men aldri så kamp.
Han brukte ironisk nok stilen til en tegneserielydeffekt for å navngi arbeidet sitt. «takka takka»; lyden av et maskingevær. Dette kunstverket representerer hele elementene i popkunst og dens betydning.
Om tegneserieshowene og datidens kunst ble alltid skapt for å nå et felles mål; en overveldende, morsom og latterlig heroisk kommentar.
Ved å bruke denne stilen for å effektivt formidle budskapet sitt, hadde Lichtenstein som mål å etterlate en tankevekkende og effekt på sitt publikum ved å bruke sammenstillingen til sin fordel. Dette verket anses å være et godt eksempel på eksperimentering i kunst på grunn av kunstnerens mot til å formidle et sterkt perspektiv om et relevant emne
Da Lichtensteins arbeid ble kritisert for å være militaristisk, svarte han smart,” heltene som er avbildet i tegneserier er fascistiske typer, men tar dem ikke på alvor i disse maleriene. Kanskje det er et poeng å ikke ta dem på alvor, et politisk standpunkt. Jeg bruker dem av rent formelle grunner».
Dorothy Hales selvmord av Frida Kahlo
Dette kunstverket er utvilsomt et av de mest potente kunstverkene til dags dato. Til tross for den begrensede mengden detaljer på portrettet, var det fortsatt kraftig nok til å ryste verden da det ble produsert.
Kunstneren viste bildet av Dorothy Hales selvmord på en virkelig kunstnerisk måte – også et av de dristige temaene når det kommer til eksperimentering i kunst
Selvmordet til Dorothy Hale
Imidlertid var det ikke en første plan for Frida Kahlo å male døden til en raskt voksende amerikansk skuespillerinne på den tiden, slik hun fikk i oppdrag å gjøre. Les Frida Kahlos livslyst
Bygningen hun hadde falt fra kan sees bak nesten helt innhyllet i skyer, som representerer omfanget av høyden hun hadde nådd og falt i døden. Frida formidlet budskapet sitt i en sterk følelse av metafor i stedet for bokstavelig.
Dorothy Hales kropp finner du nederst på bildet, som symboliserer virkningen av realismen.
20 kjente malerier av Frida Kahlo
Maleriet hadde enhver sans for kunst, fra det virkelige til det surrealistiske, som tydelig viser hver eneste detalj av Hales selvmord.
Stående på 60,4 x 48,6 cm i Pheonix Art Museum, oversetter maleriet;
«I byen New York den tjueførste dagen i oktober 1938, klokken seks om morgenen, begikk fru Dorothy Hale selvmord ved å kaste seg ut av et veldig høyt vindu i Hampshire House-bygningen. Til hennes minne…»
Konklusjon – Eksperimentering i Art
En kort historie om hvordan noen av de mest formidable kunstnerne har gravd dypt inn i sin lyse fantasi og tryllet frem flotte kunstverk.
Ved å bruke mediet av forskjellige tekniske detaljer, temaer og emner, formidlet de feilfritt budskapet sitt på en virkelig kunstnerisk måte som garantert ville forandre kunstens ansikt som helhet.
