Mester karikaturtegner og illustratør Court Jones er en dyktig fyr. Han har 20+ års erfaring med å jobbe for store magasiner som Wired og Rolling Stone, for ikke å nevne dusinvis av andre kunder og undervisningsjobber.
Han har også vunnet mange priser, inkludert 2011 ISCA Årets mesterkarikaturtegner.
Court har en evne til å undervise, og det vises i hans nye karikaturkurs utgitt av Proko. Jeg tok kontakt med Court for mer detaljer om kurset hans og hvorfor det er så verdifullt for alle kunstneriske stiler fra konseptkunst til realistiske portretter.
Hvis du vil lære litt mer, sjekk ut hans FB-side eller følg Courts siste innlegg på Instagram @courtjonesartist.
Hva er din historie med illustrasjon og karikaturarbeid? Når begynte du først med kunst og når så du på kunst som en levedyktig karriere?
Jeg tok en kunstgrad fra University of California San Diego(UCSD) som hadde et avantgarde-kunstprogram. Så følgelig hadde jeg ingen anelse om hva jeg ville gjøre etter endt utdanning.
Jeg fikk jobb i en lokal fornøyelsespark, da det var den eneste jobboppføringen jeg hadde sett på jakt etter «kunstnere». Det viste seg å være hurtigskissekarikaturer.
Etter noen måneder begynte jobben å vokse på meg. Jeg var forferdelig i begynnelsen, som alle begynnende karikaturtegnere. Men det var virkelig fantastiske artister rundt meg å lære av, og i løpet av et år begynte jeg å føle meg litt komfortabel med å gjøre det. Fornøyelsesparkkarikaturer betaler ikke mye. Men det var GOD trening, og jeg var ung, så jeg holdt på med det.
Da jeg ble ansatt for private arrangementer mer regelmessig, begynte jeg å se hvordan du faktisk kunne tjene ekte penger med denne kunstformen.
Så jeg sluttet i parkene og fokuserte på freelance-arrangementsunderholdning.
Å gjøre bare arrangementer noen timer i uken frigjorde mye tid for meg, så jeg begynte å ta kurs på The Watts Atelier, der min egentlige utdannelse i kunst begynte. Det førte til at jeg utviklet mine ferdigheter som maler og illustratør.
Hva tok du med deg fra tiden din på UCSD og senere på Watts Atelier? Var disse institusjonene avgjørende for din vekst som kunstner?
UCSD, som mange andre høyskoler og universiteter, hadde en veldig moderne tilnærming til å undervise i kunst.
Det var egentlig ingen praktisk opplæring i hvordan man tegne eller male. Det handlet mest om konsepter og å skape samtaler med kunst, noe som ikke er særlig nyttig i den virkelige verden. Men jeg måtte ta mange kunsthistoriske kurs. Og de var definitivt mer interessante og nyttige enn studiotimene.
Jeg vil si at det jeg tok fra UCSD var det jeg gjorde det ikke som om kunst og kunstnere. For ikke å si at det var en helt negativ opplevelse. Men det å bli opplært i et moderne kunstmiljø bidro til å krystallisere min smak og følsomhet og ga meg nytt fokus på det jeg verdsatte mest, som var en påskjønnelse for mer tradisjonelle kunstnere.
Da jeg fant The Watts Atelier, var det som en stor skinnende dør hadde åpnet seg til en ny verden jeg aldri visste var der ute.
På Atelieret lærte lærerne faktisk prosedyrer trinn for trinn. De demonstrerte og kritiserte studenter hele tiden.
Jeg lærte om hvordan man bygger en skisse i etapper, hvordan man setter opp forskjellige paletter, hvordan man jobber med farger, hvordan man lager en sterk komposisjon, hvordan man trykker, hvordan man maler, listen fortsetter.
Etter et par år begynte de å gi meg mine egne klasser for å undervise i forskjellige fag, og det var der jeg tror jeg virkelig lærte å undervise og til og med lage mine egne originale kurs.
Tror du noen kan lære seg å tegne/male bare fra nettressurser? Eller tror du en skole er nødvendig for å nå et profesjonelt nivå?
Det er flere modeller for online kunstinstruksjon nå. Og de er alle i sin spede begynnelse sammenlignet med murstein- og mørtelskoletradisjonene. Så det er vanskelig å si hvilken som er mest effektiv.
Jeg tror alle elever lærer forskjellig og ikke alle har godt av samme type undervisning.
Men den viktigste faktoren for vekst er elevens egen ambisjon, disiplin og vilje til å gå over øvelsene igjen og igjen.
Etter min erfaring er den beste læreren konstant repetisjon og skisser fra leksjonene – spesielt når det kommer til det grunnleggende. Og tilbakemeldinger fra instruktører er definitivt viktig for prosessen. Selv om, gitt karakteren til nettkurs som noen ganger har tusenvis av følgere, er det ikke alltid mulig med en-til-en-tilbakemeldinger.
Men med kurset mitt om Proko lager vi en kritikkvideo for hver leksjon.
Jeg plukker flere elevers lekser fra Facebook-gruppen Proko Caricature og kommenterer og tegner over dem. Premium-studenter får tilgang til hele kritikken. Og jeg tror det er en veldig verdifull ressurs for en student hjemme, selv om jeg ikke velger tegningen deres for å kritisere, fordi nesten alle elever går gjennom de samme grunnleggende kampene.
Ditt nye karikaturtegnekurs på Proko er fenomenalt. Hvor oppsto ideen til det kurset, og hva oppmuntret deg til å lage det?
Takk!
Vel, jeg kjente Stan fra Atelieret. Han begynte der som tenåring og underviste rundt 20 år, tror jeg.
Etter at han dro og begynte på nettleksjonene i portrett- og figurtegning, likte jeg å følge dem hjemme, som så mange andre. Og vi holdt kontakten i løpet av den tiden.
Som gründeren han er, bestemte Stan seg for å utvide tilbudene sine ved å slå seg sammen med andre lærere, og han henvendte seg til meg for å designe et karikaturkurs.
Jeg hadde tenkt på ideen om å starte et eget nettkurs i flere år og laget til og med et par grove episoder. Men jeg skjønte at jeg ikke hadde tekniske kunnskaper til å produsere virkelig sleip videoer, enn si distribuere og markedsføre dem.
Stan hadde en så solid drift på plass allerede og så høye produksjonsverdier. Jeg kunne ikke nekte. Jeg ønsket virkelig å være en del av den bedriften.
Hvor mye arbeid går det med å lage hver video som planlegging av leksjoner, opptak, redigering osv.?
Jeg mistenkte at det ville være mye arbeid involvert, å gå inn i det. Men jeg skjønte ikke bare hvor mye det ville ta over livet mitt.
Den var under utvikling i over tre og et halvt år før vi var klare for lansering. Riktignok jobbet jeg ikke med det HVER dag, fordi jeg måtte balansere det med frilansplanen min. Men det er bare så mye skriving, tegning og opptak som går inn i hver episode.
Hver episode anslår jeg tar omtrent 20-25 timer med arbeid bare på slutten, når du inkluderer alle premium-leksjonene. Og så gjør Stans store team av videoproduksjons- og markedsføringsgutta sin del.
Jeg har også tenkt mye på kursoversikten og de individuelle skriptene for å sikre at de ikke bare er gode frittstående leksjoner, men passer inn i en overordnet teori om å undervise i karikatur som er konsistent, logisk og med en presentasjon stil som ville gi mening selv for uerfarne artister.
Jeg dømmer meg selv konstant etter kvaliteten på arbeidet Stan legger ned i videoene sine. Tingene hans får meg til å presse min egen innsats, fordi jeg vet at publikum har en viss forventning om kvalitet og grundighet.
Tilbakemeldinger fra Stan og teamet hans hjelper meg med å holde meg på sporet også.
I begynnelsen hjalp de meg mye med leveringen på kameraet, for å være mer naturlig. Og selvfølgelig når teamet redigerer alt sammen med musikk, grafikk og effekter, får det meg til å se mye bedre ut enn jeg egentlig er alene. Så det er definitivt et resultat av samarbeid med ekte fagfolk.
Hva ville en kunstner lære av å følge karikaturkurset ditt? Og hva slags kompetanse er nødvendig før du starter?
Forhåpentligvis får elevene en god forståelse av ikke bare hvordan man karikerer, men hvordan likhet generelt fungerer.
Selv i de beste portrettene er det ofte karikaturprinsipper i arbeid. Så jeg tror mye av kurset ville vært bra for tradisjonelle portrettkunstnere og illustratører.
Jeg bruker også tid på å vise hvordan jeg utvikler en rå, rå idé til en polert endelig gjengivelse. Forhåpentligvis hjelper jeg med å avmystifisere prosessen og vise hvordan karikatur ikke er avhengig av noen medfødt gave.
Det handler bare om å fokusere og gjøre jobben for å forstå prinsippene.
For å få mest mulig ut av kurset håper jeg at studentene i det minste har litt erfaring med tegning. Ingen formell opplæring er nødvendig. Bare litt erfaring med blyant og papir og en vilje til å legge ned litt tid på emnet.
Hva er de største forskjellene mellom gratisvideoene dine på YouTube og premiumkursvideoene?
Gratis videoer på YouTube ha kjerneprinsippene i leksjonene og minst én fortalt demonstrasjon av konseptet.
De lengre versjonene i premiumkurset går inn i mer detaljerte forklaringer eller har en utvidet versjon av tegnedemoen. Så inkluderer selvfølgelig Premium-alternativet også massevis av fortalte demonstrasjonsvideoer, nedlastbare filer og studentkritikkvideoer.
Og det er en hel bonusleksjon bare for premiumstudenter som går veldig i dybden på historien, konstruksjonen og riktig bruk av Reilly Abstraksjonen.
Kan timene dine hjelpe kunstnere å følge andre veier som konseptkunst, animasjon eller noe annet enn karikaturarbeid? Hvordan overføres leksjonene dine til andre felt?
Jeg tror konseptkunst og animasjon faktisk er store grener av karikatur.
For meg er karikatur bare praksisen med å målbevisst kontrollere utformingen av den menneskelige formen. Bortsett fra å bruke det til å forbedre likheten og få folk til å le, kan du også karikere noen for å få frem andre egenskaper.
Du kan bruke de samme prinsippene for å gjøre en tegning vakrere, mer maskulin/feminin eller skumlere enn originalmodellen. Når konseptkunstnere og animasjonsdesignere gjør sitt, enten de designer en robot, zombie eller snakkende lysestake, lager de bare endrede versjoner av mennesker med det formål å fortelle en historie.
Karikatur hjelper kunstnere med å skape sterke karaktertyper og sette inn personlighet i verket. Dette gir kunstnere selvtillit til å designe med mer intensjon og medmenneskelighet.
Hvordan vil du definere «stil» i kunst og hvilke faktorer spiller inn i en kunstners stil? Kan kurset ditt hjelpe artister med å utvikle sin egen stil?
For meg er «stil» manifestasjonen av en kunstners trening, påvirkninger og materialer. Det er også en representasjon av hva en kunstner verdsetter eller ser på som viktig å uttrykke.
Og derfor oppfordrer jeg sterkt håpefulle kunstnere til å unngå å lære å male ved kun å jobbe digitalt. Maleprogramvare er i stand til bokstavelig talt ethvert utseende eller stil, og gir muligheten til uendelig å overarbeide et maleri uten konsekvens.
Etter min mening har kunstnere som kun har jobbet digitalt en tendens til å ha et veldig tørt og sterilt utseende på porteføljen sin. Penselstrøkene har ingen personlighet eller er helt glatt ut, og oftere enn ikke er fargene samplet direkte fra referansebildet.
Mens kunstnere som lærer å male i naturlige medier som oljer, gouache eller akvareller og med begrensede paletter påvirkes av hva disse mediene kan gjøre. Så de finner kreative måter å få visse effekter på og utvikler vanligvis en mer individualisert fargefølsomhet. Når en artist oppnår et visst komfortnivå med et tradisjonelt medium, kan de gå inn i datamaskinen og bringe sin egen unikhet til prosessen. Deres digitale arbeid vil naturligvis være sterkt påvirket av deres tradisjonelle maleropplevelse og vil være mye mer interessant å se på.
Så fordi jeg går inn i så mange detaljer som viser prosessen min, tror jeg det er sannsynlig at karikaturtimene mine vil ha en viss innflytelse på elevenes individuelle stiler i begynnelsen av utviklingen deres – spesielt når det gjelder tegning og design.
Men etter hvert som de får mer erfaring og studerer andre artister, vil de forgrene seg og utvikle sine egne unike stiler.
Hva slags balanse er nødvendig mellom å praktisere realisme og overdrivelse? Hvordan hjelper realistisk arbeid en karikaturist/illustratør med å forbedre sin evne til å overdrive eller trekke fra fantasi?
Jeg er en stor tro på krysstrening i kunst.
Jeg tror hvert emne du studerer bidrar til å påvirke og forbedre arbeidet ditt på andre områder. Karikatur kan hjelpe portrettere og realistiske illustratører til å forbedre referansebildene sine og sette inn mer liv eller forbedre en likhet når det er nødvendig.
Og selvfølgelig kontrollen og disiplinen du lærer når du praktiserer mer tradisjonell «realistisk» tegning av ansikt og figur, jo mer subtilitet og raffinement vil dukke opp i karikaturarbeidet ditt.
Etter min erfaring liker art directors ved magasiner å se realisme i karikaturkunsten. Men jeg fraråder bare å designe for art directors eller prøve å etterligne en populær stil.
Prøv å tegne og male på en måte som gjør DEG glad og de riktige kundene vil til slutt bli tiltrukket av deg.
Hvilke vanlige feil gjør kunstnere når de først lærer å overdrive? Er det noen gang «for tidlig» å begynne å eksperimentere med overdrivelse?
De to hovedproblemene jeg ser i folks arbeid når de først begynner å karikere er:
- sjenerte portrettlignende overdrivelser, og på den andre ytterligheten
- ukontrollerte, dårlig forvrengte slurvete karikaturer
Begge problemene resulterer vanligvis i svake likheter.
For den første typen bruker de ikke nok tid på å eksperimentere med overdrivelsesvalg og blir sittende fast i den trygge «portrettsonen». Jeg oppfordrer dem til å legge mer innsats i miniatyrbildekonseptstadiet.
For den andre typen, som tegner for slurvete, oppfordrer jeg dem til å bruke mer tid på å finpusse sine grove skisser ved å bruke verktøy som Reilly Abstraksjon for å finne og fikse strukturelle feil.
Men det er aldri for tidlig å begynne å eksperimentere med overdrivelse.
Med måten jeg underviser i karikatur på, er det første skrittet å raskt finne ut hvilken retning overdrivelsen har miniatyrbildeskisse. I det påfølgende trinnet av grov skisse Jeg legger vekt på likhet som prioritet. Og så er neste å finpusse konstruksjonen med abstraksjonen.
Jeg er en sterk tro på å bryte ned en kompleks oppgave i mindre mer håndterbare trinn.
Hvilke avskjedsråd kan du dele for artister som nettopp har begynt på reisen?
Vær klar til å gjøre mye skisser og repetisjoner. Og ikke skynd deg å lære å male eller gjengi for tidlig.
Skisser kan virke kjedelig sammenlignet med maleri. Men de fleste kunstneres maleproblemer kan spores tilbake til dårlige tegningsgrunnlag.
Akkurat som med å lære en sport eller musikkinstrument, du trenge å ha gode grunner under beltet før du kan produsere arbeid av høy kvalitet konsekvent.
Den grunnleggende treningsperioden er når du vil utvikle ikke bare hånden din, men også øyet ditt, din evne til å skille god design fra dårlig. Det er ingen snarvei til å lære den slags ting.
Tusen takk til Court for at du tok deg tid til å svare på disse spørsmålene og gi hans innsikt i karikaturens ville verden.
Hvis du er interessert i å forbedre overdrivelsesferdighetene dine, så sjekk ut Courts karikaturkurs om Proko. Det vil definitivt hjelpe deg å se forbedringer uansett hvor lenge du har tegnet eller hvilken type kunst du lager.
Du kan også lære mer om Court på hans hovednettstedet eller på hans kunstportefølje. Han legger ut mye arbeid på sosiale kontoer som Facebook og Instagram hvis du vil følge med der også.
Og hvis du vil sjekke ut Courts gratis karikaturvideoer kan du bla denne spillelisten fra Proko YouTube-kanalen.
Vi skrev også en detaljert anmeldelse av Courts karikaturserie hvis du vil se nøyaktig hva den tilbyr.
