Mexico besitter en av den vestlige halvkules mest distinkte kulturer, noe som resulterer i etableringen av mange kjente meksikanske kunstverk. Før den spanske invasjonen endret landet fullstendig, inspirerte urfolkstemaer som dateres tilbake til 1400-tallet sterkt meksikanske kunstmalerier. De mange religiøse praksisene til urfolksstammene som bodde i Mexico var et viktig tema for den berømte kunsten i Mexico på 1400-tallet og tidligere. For å forstå kunsten i denne regionen bedre, vil vi se på de mest kjente meksikanske maleriene som kommer fra dette kulturelt rike landet.
Vår liste over kjente meksikanske malerier
Da kristendommen spredte seg over hele regionen på 1500-tallet, ble meksikanske kunstverk irreversibelt endret og ble først og fremst representativt for kristne prinsipper og verdier. Til tross for århundrer med katolsk kontroll, har innbyggerne i Mexico aldri ignorert den levende teften og effektene til urbefolkningen som tidligere kalte landet hjem.
Meksikanere stod fritt til igjen å forfølge de uvanlige og lyse variantene av meksikanske kunstverk som ser ut til å definere regionen etter at spansk styre ble fjernet på begynnelsen av 1900-tallet. Her er vår liste over den mest kjente kunsten i Mexico.
Jomfru av Guadalupe (1773) av Nicolás Enríquez
| kunstner | Nicolás Enríquez (1704 – 1790) |
| Dato | 1773 |
| Medium | Olje på kobber |
| Dimensjoner (cm) | 56 x 42 |
| plassering | Metropolitan Museum, New York, USA |
I følge mytologien manifesterte Maria seg i Mexico før en 57 år gammel azteker som tror på Kristus ved navn Juan Diego. Hun ba om at det ble opprettet en helligdom til hennes ære på stedet. Likevel krevde erkebiskopen bevis. Da Juan Diego informerte Mary om det, oppmuntret hun ham til å gå til toppen av bakken og samle blomster.
Juan Diego oppdaget kastilianske roser på toppen av bakken, som ikke var hjemmehørende i området eller i sesong.
Jomfru av Guadalupe (1773) av Nicolás Enríquez; Nicolás EnríquezCC0, via Wikimedia Commons
Mary plasserte selv blomstene i Juan Diegos jutekappe. Hun instruerte deretter Diego om å bare løse opp kappen når han kom til biskopen. Da Diego gjorde dette, falt blomstene til gulvet, og etterlot bildet vist i maleriet på overflaten av kappen. Kunstverket er for tiden plassert i Mexico Citys Minor Basilica of Our Lady of Guadalupe.
Det har blitt et kulturelt ikon for Mexico, og basilikaen har blitt verdens mest besøkte katolske pilegrimsmål.
La Calavera Catrina (1913) av Jose Guadalupe Posada
| kunstner | Jose Guadalupe Posada (1852 – 1913) |
| Dato | 1913 |
| Medium | Sink-etsing |
| Dimensjoner (cm) | 11 x 15 |
| plassering | Flere utskrifter |
På grunn av sin sarkasme, følsomhet og sosiale engasjement blir José Guadalupe Posada sett på som en dypt betydningsfull politisk skriver og gravør. Hans mest kjente maleri viser et høyt, fint kledd kvinneskjelett som tar på seg en utsmykket hatt.
Den merkelige motsetningen trekker oppmerksomheten til landets europeiske og internasjonale påvirkninger.
La Calavera Catrina (1913) av Jose Guadalupe Posada; José Guadalupe PosadaOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Bildet blir sett på som en sarkastisk representasjon av meksikanske innbyggere som var flaue over deres urbefolkningsbakgrunn og ønsket å etterligne europeiske skikker. The Day of the Dead er en berømt meksikansk festival der venner og slektninger samles for å hedre kjære som har dødd.
Den har blitt et symbol på De dødes dag, og hennes inkarnasjon er utbredt ved feiringen av De dødes dag rundt om i landet.
Prometheus (1930) av José Clemente Orozco
| kunstner | José Clemente Orozco (1883 – 1949) |
| Dato | 1930 |
| Medium | Fresco |
| Dimensjoner (cm) | 610 × 870 |
| plassering | Frary Dining Hall, Pomona College, Claremont, California, USA |
Til tross for at han var dårlig anerkjent i USA på den tiden, fortsatte den meksikanske maleren José Clemente Orozco å bli kjent som en av de tre store meksikanske veggmaleriene, med Diego Rivera og David Alfaro Siqueiros. Det var Orozcos første store maleri i USA og det første fresken i landet av et medlem av de tre store meksikanerne.
Den meksikanske veggmalerigruppens vekst utenfor Mexico kan spores tilbake til Pomona College.
Prometheus (1930) av José Clemente Orozco; Jose Clemente OrozcoOffentlig domene, via Wikimedia Commons
Forslaget til et veggmaleri i Frary Hall ble opprinnelig foreslått av Sumner Spaulding, dets arkitekt, kort tid etter at spisesalen sto ferdig. Studenter fra Pomona organiserte at Orozco skulle reise til Claremont, hvor han bodde der i to måneder mens han malte veggmaleriet.
Mexicos historie (1935) av Diego Rivera
| kunstner | Diego Rivera (1886 – 1957) |
| Dato | 1935 |
| Medium | Veggmaleri |
| Dimensjoner (cm) | 700 x 90 |
| plassering | Nasjonalpalasset, Mexico by, Mexico |
Et av de mest kjente meksikanske maleriene ble laget som et veggmaleri på hovedtrappen til Mexico Citys nasjonalpalass, i stedet for på et lerret. Kunstneren var kjent for sine kunstverk som skildret historiske omgivelser, og dette verket ble startet i 1929 og ferdigstilt i 1935.
Den består av en mengde scener som karakteriserte landet i hovedsak, og startet i det som ble ansett som den innfødte aztekiske perioden og fortsetter inn i det som var dagens Mexico på det tidspunktet Rivera skapte stykket.
Mexicos historie (1935) av Diego Rivera; Diego Rivera læringskompleks, CC BY-SA 3.0via Wikimedia Commons
Det representerer urbefolkningens meksikanere som ble erobret av kristen dominans, så vel som århundrene som fortsatte under den katolske troen. Rivera konsentrerte seg om landets krig for frigjøring fra Spania, og det berømte meksikanske kunstverket er fylt med mange flotte individer som har formet Mexico gjennom historien.
Kunstverket er et stort mesterverk som på en glimrende måte skildrer mange av landets vanskeligheter og suksesser.
Ekko av et skrik (1937) av David Alfaro Siqueiros
| kunstner | David Alfaro Siqueiros (1896 – 1974) |
| Dato | 1937 |
| Medium | Emaljemaling |
| Dimensjoner (cm) | 122 x 91 |
| plassering | Museum of Modern Art, New York City, USA |
David Alfaro Siqueiros, sammen med José Clemente Orozco og Diego Rivera, er anerkjent som en av Mexicos tre store veggmalerister. Siqueiros, den mest ekstreme av trioen, er kjent for sine bilder av menneskelige kamper mot diktatoriske stater. Hans mest kjente stykke formidler krigens skarphet, sorg og øde.
Det er et overbevisende stykke som ble produsert under den spanske borgerkrigen som fysisk og symbolsk formidler menneskelig elendighet gjennom hele krigen.
Kunstverkets mest merkbare figur er et overdimensjonert hode av en hulkende baby, med en annen gråtende baby som dukker opp fra munnen hans. Skjell, splinter og knuste kanoner, blant annet, er spredt rundt bakken for å skildre kjølvannet av kampen.
Det er allment anerkjent som et av de mest kjente meksikanske antikrigskunstverkene.
Selvportrett (Inn of the Dawn Horse) (1938) av Leonora Carrington
| kunstner | Leonora Carrington (1917 – 2011) |
| Dato | 1938 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 65 x 81 |
| plassering | Metropolitan Museum of Art, New York, USA |
Surrealistiske påvirkninger har lenge vært anerkjent i meksikansk kunst, spesielt verkene til Leonora Carrington. Dette bildet fra 1938 skildrer en merkelig situasjon der en utslitt Carrington sitter i en stol og konfronterer en kvinnelig hyene. En gyngehest er montert på en vegg bak henne, og vinduet i det fjerne viser en nydelig, ladende hvit hingst.
Betydningen av dette bildet har lenge vært diskutert av både kunstfans og kritikere.
Det har vært svært få forskere som har vært i stand til å si med sikkerhet hva Carrington mente å oppnå med dette stykket, men mengden mystikk bidrar sikkert til hvorfor dette kunstverket er blant de mest kjente meksikanske kunstmaleriene.
De to Fridas (1939) av Frida Kahlo
| kunstner | Frida kahlo (1907 – 1954) |
| Dato | 1939 |
| Medium | Olje på lerret |
| Dimensjoner (cm) | 174 x 173 |
| plassering | Museo de Arte Moderno, Mexico by, Mexico |
Frida Kahlo regnes av mange for å være den mest kjente meksikanske maleren og blant de beste selvportrettistene gjennom tidene. Hun hadde en turbulent romanse med en annen kjent meksikansk artist, Diego Rivera, der de giftet seg, skilte seg og ble sammen flere ganger.
Dette berømte meksikanske kunstverket ble laget rundt tidspunktet for Kahlos separasjon fra Diego Rivera og antas å skildre hennes sorg. Det er et selvportrett i to deler.
Den ene versjonen av Kahlo til venstre er kledd i en hvit kjole i europeisk stil med hjertet såret og blødende, mens den andre Kahlo til høyre er kledd i en innfødt meksikansk kjole med hjertet intakt. Et år senere giftet Kahlo seg med Rivera igjen, og denne gangen varte den, om enn turbulent, til hennes død.
Dette er Kahlos største stykke og kanskje det mest kjente av alle meksikanske kunstmalerier.
Selvportrett (1940) av María Izquierdo
| kunstner | María Izquierdo (1902 – 1955) |
| Dato | 1940 |
| Medium | Oljemaleri |
| Dimensjoner (cm) | 75 x 65 |
| plassering | Blaisten Collection Museum, Mexico City, Mexico |
Dette selvportrettet er en honnør til kunstnerens arv. Hun fremstilte seg selv som å ha en brun hudfarge og iført et tradisjonelt plagg som står i skarp kontrast til hennes karmosinrøde sjal, som har subtile urfolksgeometriske design. Håret hennes er flettet og pyntet med blomster, og blikket er direkte og rolig, med et spor av stolthet.
Izquierdo portretterte en fjellscene i bakgrunnen, et tilbakevendende bakteppe i verkene hennes som representerer det tradisjonelle meksikanske miljøet, og ved siden av henne reiser en søyle som en hestefigur sitter og vender mot henne.
Fargepaletten er i hennes typiske dempede farger, men de knallrøde og hvite fargevalgene for antrekket og sjalet er uvanlige og trekker oppmerksomheten til hennes tilstedeværelse. På et psykologisk nivå er den hvite hestefiguren på toppen av søylen stemningsfull av trehestefigurene hun ofte brukte i sine gjengivelser av kvinnelige karnevalsutøvere: symboler som gjenspeiler kvinners uavhengighet og styrke.
Kunstnerens bruk av Veracruz’ regionale antrekk, samt hennes representasjon av hennes urfolks ansiktsegenskaper og hudfarge, fremhever hennes sterke mestiserøtter.
Nyansene til sjalet og kjolen kan også hentyde til fargene til det meksikanske flagget. I dag antas den hvite fargen på flagget vanligvis å betegne fred, mens den røde fargen antas å symbolisere ofringen til landets helter i deres kamp for frihet.
Tre mennesker (1970) av Rufino Tamayo
| kunstner | Rufino Tamayo (1899 – 1991) |
| Dato | 1970 |
| Medium | Maling, marmor, sand |
| Dimensjoner (cm) | 130 x 97 |
| plassering | Privat samling |
Rufino Tamayo, en meksikansk modernistisk kunstner, skapte dette berømte meksikanske kunstverket i 1970. Det fargerike bildet er kjent som en representant for Tamayos modne måte. Det er et abstrakt bilde av en kvinne, en mann og en ubestemmelig person i en palett av oransje, lilla og gult.
Tamayos karakteristiske grove overflatekvalitet ble skapt ved å blande sand og marmorpulver inn i malingen. Kunstneren døde i 1991, 91 år gammel.
Tamayo jobbet med mer nøytrale emner, hvorav mange berørte følelser av fred og nytelse, i en periode da hans jevnaldrende brukte kunst for å forplante revolusjonær politisk tro. Tamayo fortsatte med å lage verk som bidro til å utvide meksikansk kunsts appell på den verdensomspennende kunstscenen.
Samurai Tree (Invariant 26O) (2020) av Gabriel Orozco
| kunstner | Gabriel Orozco (1962 – nåtid) |
| Dato | 2020 |
| Medium | Akryl på lin |
| Dimensjoner (cm) | 120 x 120 |
| plassering | Marian Goodman Gallery, New York, USA |
De fraktallignende komposisjonene i dette maleriet er et produkt av kunstnerens bruk av et matematisk program for å konstruere alle tenkelige variasjoner av sirkler og fire farger – rødt, blått, bladgull og hvitt – innenfor et sett med forhåndsbestemte kriterier. Systemet starter med et enkelt punkt og tegner en sirkel rundt det. Sirkelen deles inn i firkantede deler, og deretter lages en andre sirkel som skjærer den førstes halveringslinje ved halveringsposisjonen.
Orozco gjentar denne prosessen til minst en sirkel berører en av lerretets kanter.
I motsetning til andre serier der Orozco brukte en lignende metode for å forstyrre den visuelle informasjonen som ligger i oppdagede bilder samlet inn fra flybilletter, penger og portretter av idrettsutøvere i publikasjoner og magasiner, er verkene i denne samlingen fullstendig abstrakte. De inneholder konseptet om et insulært system, et rasjonelt og vitenskapelig miljø der ingenting er tilstede bortsett fra seriens kjernedeler og dens interne logikk.
Det avslutter vårt blikk på den mest kjente kunsten i Mexico gjennom tidene, og helt frem til i dag. Disse anerkjente meksikanske kunstmaleriene er elsket for deres individualitet i uttrykket så vel som deres utstilling av stolthet over meksikansk arv og kultur. Noen kunstnere skaper fra et veldig personlig sted, mens andre skaper for å uttrykke et politisk budskap.
ofte stilte spørsmål
Hvem produserte de mest kjente meksikanske maleriene?
Når de fleste tenker på meksikansk kunst, er den personen som kommer først i tankene vanligvis Frida Kahlo. Mannen hennes, Diego Rivera, var en annen veldig kjent meksikansk artist. Dette kunstneriske paret var ansvarlig for mange av de mest kjente meksikanske maleriene.
Hvorfor produseres meksikanske kunstmalerier?
Hva betyr meksikansk kunst for deg? Kunst laget av meksikanske kunstnere eller kunst om Mexico? Mange kjente meksikanske malerier var av meksikanere, så vel som om livet i Mexico – fra hverdagslivet til folket og kulturen til den tumultariske politiske fortiden.
