Det er så mye talent i underholdningsindustrien at det er vanskelig å inneholde alt. For ikke å nevne at hver artist har sine egne personlige interesser, fra karakterer til våpen, videospill til tegneserier for barn.
Leon Lee er en utrolig talentfull kunstner med fokus på bakgrunnsdesign og bakgrunnsmaling for animasjon. Arbeidet hans er bare fantastisk og har blitt omtalt på mange nettsteder, inkludert Society of Illustrators LA.
I denne oppriktige spørsmål og svar deler Leon sin kunstneriske reise inn i underholdningsindustrien med råd og veiledende prinsipper som alle kan ta med seg inn i sitt eget kreative arbeid.
På hvilket tidspunkt i livet skjønte du at det å skape kunst var noe du ville like som en karriere, og hvilke faktorer førte deg til denne erkjennelsen?
Jeg ble født i Kuala Lumpur, Malaysia, en kulturelt mangfoldig by som ligner på LA
Jeg gjorde det meste av min oppvekst i Malaysia, men jeg hadde en kort grunnskoleutdanning i Houston, Texas i omtrent 3 år. Det var på den tiden jeg først ble introdusert for kunsttimer på sommerskolen.
Imidlertid forble kunst en sidehobby for meg som jeg bare gjorde innimellom når jeg kjedet meg. Etter endt videregående gikk jeg videre til hovedfag i ingeniørfag. Et og et halvt år inn i programmet begynte jeg å grue meg, da jeg fant ut at jeg bare var interessert i gruppeprosjektene som krevde at jeg skulle designe ting.
Lang historie kort, jeg droppet ut av programmet og tok litt fri for meg selv. I løpet av den korte pausen min introduserte mamma meg for et kunstprogram kl The One Academy of Communication Designen av de beste kunstskolene i Malaysia.
Da jeg ikke hadde noe bedre å gjøre, tok jeg en titt på programmet de tilbød, samt noe av arbeidet som ble produsert fra den skolen. Det burde være unødvendig å si at jeg ble overbevist og meldte meg umiddelbart inn. Imidlertid var jeg fortsatt ikke 100% sikker på at kunst var noe jeg ønsket å gjøre som en karriere på den tiden.
Det var ikke før et og et halvt år senere da jeg meldte meg på ArtCenter College of Design i Pasadena at jeg virkelig begynte å ta det på alvor.
Tingene som fikk meg til å innse at kunst var noe jeg ønsket å forfølge som en karriere var; da jeg oppdaget den kreative prosessen og oppmerksomheten som gikk inn i å designe noe, det vennlige fellesskapet av kunstnere som eksisterer, og alle de forskjellige veiene som er mulige innenfor det kreative feltet.
Som malayser som vokste opp i forskjellige kulturelle miljøer, hvordan har din kulturelle bakgrunn påvirket kunsten du lager?
Da jeg vokste opp i Malaysia, tror jeg at jeg tok miljøet rundt meg for gitt.
Det var ikke før jeg flyttet hit til USA for kunstskole at jeg begynte å sette pris på mangfoldet og kulturene jeg var omgitt av hjemme.
Kuala Lumpur er et mangfoldig multikulturelt knutepunkt som ligner på LA med tre store etniske grupper som består av; Kinesere, malaysiske og indere, så vel som andre immigranter, var jeg omgitt av så mange forskjellige kulturer, religioner, kunst og mat.
I ettertid føler jeg meg veldig heldig som har vokst opp i et miljø som har hjulpet meg å holde et åpent sinn når jeg møter nye mennesker, og som har lært meg å sette pris på de ulike kulturene som finnes i verden.
Jeg tror at min kulturelle bakgrunn har gitt meg en dypere forståelse av hvordan visse kulturer tenker, og til gjengjeld har gjort meg mer bevisst på de subtile detaljene når det kommer til å designe noe spesifikt.
Til syvende og sist tror jeg at det har påvirket stilen min, så vel som måten jeg tenker og forsker på når jeg lager nytt arbeid.
Kan du fortelle oss om din utdanningsbakgrunn? Hvilke vanskeligheter møtte du mens du studerte kunst?
Jeg tok hovedfag i ingeniørfag en stund før jeg til slutt bestemte meg for å satse på kunst i stedet.
Min første formelle kunstutdanning begynte ved The One Academy i Selangor, Malaysia.
Jeg studerte der i litt over et og et halvt år og lærte de forskjellige tradisjonelle ferdighetene som akvarellmaling, figurtegning, portretttegning og landskapsskisser. Kort tid etter videreutdannet jeg meg til ArtCenter College of Design i Pasadena hvor jeg tok hovedfag i illustrasjon.
ArtCenter var den mest utfordrende, men likevel morsomme delen av min høyskoleopplevelse. Vanskene jeg møtte var for det meste arbeidsmengden, kravet til kvalitet på arbeidet og mangelen på tid til å gjøre noe annet enn å jobbe.
Tror du at en grad er viktig for å bli en profesjonell kunstner? Eller kan noen studere på egenhånd ved å bruke nettressurser?
I denne tiden, nei. Jeg tror ikke det er nødvendig med en grad for å bli en profesjonell kunstner.
Årsaken er at studioer ikke ser på graden din når de ansetter.
Alt som betyr noe er hva du legger inn i porteføljen din. Kvaliteten på arbeidet, ferdighetsnivået, evnen til problemløsning og ideer er ting bedrifter ser etter når de leter etter mulige kandidater.
I dag er det noen flotte nettressurser som er lett tilgjengelige for alle, for eksempel Schoolism, New Masters Academy, Gumroad, og så videre.
Alle de ovennevnte er svært rimelige alternativer som tilbyr de samme kursene som du ville fått fra en kunstskole, men til en mye rimeligere pris.
Hovedforskjellen mellom å studere på egenhånd og å gå på en kunstskole er læringsmiljøet. Det er et spørsmål om preferanse, men jeg kan si at det å være omgitt av andre talentfulle individer presser deg til å jobbe hardere og følgelig vokse raskere.
Hvordan kom du inn på bakgrunnsdesign? Hvilke aspekter ved denne typen kunst appellerte til deg?
I oppveksten har jeg hatt det privilegium å reise ganske mye. Disse opplevelsene åpnet øynene mine for de forskjellige arkitekturene, landskapet og kulturene i verden.
Jeg tror at den slags eksponering tidlig i livet mitt utviklet min nysgjerrighet for verdensbygging. Det var i løpet av den tiden jeg oppdaget min interesse for arkitektur og landskapsskisser.
Etter å ha tatt den klassen fortsatte jeg med å ta andre miljøbaserte klasser for å lære om de forskjellige prinsippene for bakgrunnsdesign.
Det som virkelig appellerte til meg med denne typen kunst var at det var så mye mer involvert i prosessen med å lage den enn jeg først hadde trodd.
Det er mange ting å vurdere når man designer en bakgrunn; komposisjonen, settdressingen og iscenesettelsen. Jeg finner meg selv mer fascinert av prosessen i stedet for det endelige resultatet. Jeg liker å gjøre research, komme opp med nye ideer og fortelle en historie gjennom bakgrunnen min.
Som bakgrunnsdesigner, hvordan inspirerer og påvirker virkelige miljøer arbeidet ditt?
Virkelige miljøer og landskap er min viktigste inspirasjonskilde. Det er en av grunnene til at jeg liker å reise så mye.
Jeg er alltid fascinert av de forskjellige kulturene, arkitektoniske stilene og historien som hvert land har å tilby.
Jeg føler at ved å fylle det visuelle biblioteket mitt og oppleve disse tingene, kan jeg legge til enda et lag av dybde og troverdighet i arbeidet jeg lager.
Jeg har definitivt favoritter når det kommer til arkitektoniske stiler og kulturer, men når jeg jobber med et design, prøver jeg å ikke favorisere hverandre fremfor hverandre.
Det er alltid et passende tidspunkt og sted for hver påvirkning eller referanse som skal brukes. Jeg bruker bare det jeg føler fungerer best i hver enkelt situasjon for å løse designproblemet jeg har laget for meg selv.
Fortell oss om ditt friluftsarbeid. Hvordan tror du friluftsmaling hjelper noen som ønsker å gå inn i illustrasjon og bakgrunnsdesign?
Plein luftmaling er en personlig hobby for meg som jeg prøver å gjøre når jeg har ledig tid. Det er en form for avslapning og en unnskyldning for meg til å gå ut og utforske verden.
Når det er sagt, er jeg også klar over viktigheten av praksisen og dens fordeler. Når jeg maler friluftsmaling, leter jeg alltid etter noe som fanger oppmerksomheten min og vekker interessen min.
Det kan være alt fra belysning, farge, form eller mønster. Etter min mening er plein air-maleri viktig fordi det informerer oss om hvordan belysning fungerer, hvordan farger interagerer med hverandre, samt de subtile variasjonene i fargetemperatur.
Alt dette er viktig informasjon som er verdifull for enhver bakgrunnskunstner. Å praktisere friluftsmaling vil ikke bare informere arbeidet vi lager, men også hjelpe oss å oppnå et nivå av troverdighet og fargeharmoni som vi streber etter i arbeidet vårt.
Hvilke råd har du til folk som ønsker å legge ut arbeidet sitt og møte andre kunstnere, finne karrieremuligheter, eller bli omtalt i gallerier eller noe sånt?
Når det gjelder å sette arbeidet ditt der ute, er det så mange alternativer. Jeg anbefaler å starte med en nettside eller nettportefølje fordi det føles mer profesjonelt.
Sosiale medieplattformer som Instagram og Tumblr er også andre alternativer for å få jobben din der ute, men de føles mer uformelle.
Prøv også å delta på så mange nettverksarrangementer og stevner som mulig, store som små.
Dette er en fin måte å møte andre talentfulle artister på, få kontakt med rekrutterere og til og med få tilbakemeldinger på arbeidet ditt.
Det er mange flotte arrangementer der ute, nemlig; CTN animasjonsekspo, Light Box expo, Comic Con, Designer Con, og listen fortsetter.
Når det gjelder å bli omtalt i gallerier, kommer alt ned på din tilstedeværelse på nettet og konsistensen i din oppsøkende rekkevidde. Ikke nøl med å kontakte gallerier du er interessert i med minimale forventninger.
Noen ganger får du ikke svar fordi de er opptatt og mottar tonnevis av e-poster også. Hvis det er tilfelle, ikke glem å følge opp etter en stund. Konsistens er nøkkelen, men du vil heller ikke tvinge frem problemet.
Hvordan kom du til å jobbe med The Tom and Jerry Show? Hvordan var det å jobbe med den første episoden din?
Jeg ble anbefalt av en kjær venn av meg. Men jeg måtte teste for showet.
Det var litt nervepirrende i begynnelsen fordi vi jobbet i et åpent miljø. Noe som gjorde at alle kunne se hva jeg gjorde. De første ukene på showet var litt utfordrende fordi det var mye å ta inn på en gang.
Jeg begynte med bakgrunnsmaling i min første episode fordi kunstdirektøren min ønsket å få meg tilpasset de forskjellige stilene i showet. Det var en veldig samarbeidsopplevelse og alle var veldig imøtekommende til forskjellige ideer.
Mens jeg var i min første episode, kunne jeg lære hvordan produksjonspipelinen fungerte fra start til slutt, i tillegg til å bli involvert i storyboard-møtene.
Det var virkelig flott å kunne forstå hvordan alle de forskjellige delene fungerer sammen for å lage ett sluttprodukt. Etter at jeg fikk taket på ting, gikk jeg sakte over til å lage bakgrunns- og rekvisittdesign også.
Det har vært en hyggelig opplevelse så langt, spesielt siden jeg ikke er begrenset til bare å gjøre én ting. Jeg er begeistret for å kunne gjøre det jeg gjør på en daglig basis og å bli kontinuerlig inspirert av de talentfulle menneskene jeg jobber med.
Vanligvis, hvor lang tid tar det å fullføre arbeidet med en enkelt episode? Kan du beskrive hvordan din typiske arbeidsflyt er fra start til slutt?
Designmessig, vanligvis innen en uke, eller noen ganger to.
Men når det gjelder en fullstendig animert episode, tar det vanligvis måneder. Min typiske arbeidsflyt starter vanligvis med at jeg ser på det livlige for episoden for å få en forståelse av historien.
Etter det blir jeg vanligvis utstyrt med bildetekster/skjermbilder av spesifikke bilder fra den animerte for å informere meg om hva som må utformes.
Vanligvis for bakgrunner er jeg tildelt alt fra 5-7 bakgrunner per uke.
Fristen for at alt skal være ferdig er alltid innen slutten av uken. Jeg liker å sette fart på meg selv og prøve å få hoveddelen av designene ferdig tidlig på onsdag, slik at jeg har halvannen dag på meg til å male dem.
Prosessen min starter alltid med at jeg søker etter referansebilder som inspirerer meg. Jeg bruker vanligvis bare en halvtime på å undersøke før jeg hopper rett inn i designet.
Når jeg designer en bakgrunn, har jeg alltid i tankene iscenesettelsen av karakteren og hvor handlingen vil finne sted.
Bortsett fra The Tom and Jerry Show, har du gjort lignende arbeid for andre serier eller filmer? Hvordan er det arbeidet som helhet?
Så langt har jeg brukt det siste året på å jobbe med sesong 4 og 5 av The Tom and Jerry Show.
Jeg har gjort litt kontraktbakgrunnsdesignarbeid for et annet show også, men jeg må be om unnskyldning for jeg tror ikke jeg har lov til å snakke om det ennå.
Jeg kan si at det å jobbe med bakgrunnsdesign i TV-animasjon er veldig tilfredsstillende fordi prosessen og stilen varierer fra show til show.
Jeg kan utvide det visuelle biblioteket mitt og lære nye ting på hvert prosjekt jeg jobber med. Det er tider jeg vil møte noe som er kjent, men oftere enn ikke vil hvert show ha en litt annen tilnærming i måten de gjør ting på.
Siden kunst ofte brukes til å formidle budskap, hva slags budskap vil du at folk skal få når de ser på arbeidet ditt?
Kunst er en form for frigjøring for meg. En mulighet for meg å uttrykke mine personlige interesser og følelser.
Mesteparten av inspirasjonen til arbeidet mitt stammer fra min interaksjon i dagliglivet, reiseopplevelser og personlige hobbyer.
Med det håper jeg å inspirere folk til å utforske verden mer, lære om de forskjellige kulturene, historien og kanskje finne noe de er interessert i mens de gjør det.
Men noen ganger liker jeg å lage arbeid bare for gleden og lidenskapen ved å skape noe vakkert.
Hvilke siste tips kan du gi til ambisiøse artister som vil inn i bransjen?
Jobb hardt, vær nysgjerrig, legg arbeidet ditt der ute, hold kontakten og fortsett å skape!
Men viktigst av alt, vær konsekvent med hva du enn gjør, enten det er å nå ut til studioer, opprettholde kvaliteten på arbeidet, sette deg selv der ute, eller til og med sove. Konsistens er nøkkelen!
Glem heller ikke å gi deg selv en pause en gang i blant og ha andre hobbyer utenom kunsten. Dette er også viktig for å unngå å brenne ut.
Spesiell takk til Leon for at han tok seg tid til dette intervjuet og for å dele så mye innsikt i hans fantastiske reise.
Hvis du vil lære mer, kan du sjekke ut hans porteføljeside eller bla gjennom hans siste innlegg på Instagram @leonlee.art.
